El próximo viernes llega a los cines españoles la segunda creación de la directora libanesa Nadine Labaki. Se dio a conocer con la exitosa “Caramel” y ahora vuelve con otro largometraje “¿Y Ahora adónde vamos?”. Dirige, actúa, produce y escribe el guión de esta película que cuenta la vida de unas mujeres que se inventarán todo tipo de trucos para evitar que los hombres inicien una guerra entre los que son musulmanes y cristianos.

   Podemos caer en el error de considerar que es otra película más sobre el conflicto entre religiones, pero si ahondamos un poco descubrimos que estamos ante una muestra de creatividad, arte y destreza por querer mostrarlo desde otro punto de vista. Un punto de vista diferente a lo que estamos acostumbrados a ver, ya sea en dramas llenos de violencia explícita, películas documentales… que al fin y al cabo reflejan la cruda realidad pero que nos hacen mirar hacia otro lado. En este caso es un acierto el querer contarlo como una comedia. Creo que ahí está el éxito y la dificultad ya que utilizar el humor sobre un tema como éste puede llegar a ser ofensivo o grotesco. Labaki logra la simbiosis perfecta entre lo dramático y lo cómico. Y todo mezclado con números musicales llenos de color, alegría y romance donde nos enseña la labor de sacrificio y el amor que las mujeres de ese pueblo (no se especifica cual) profesan hacia los intereses comunes y no particulares, aún sabiendo que cerca de allí está comenzando el conflicto.

   El guión no tiene desperdicio. La forma en la que están unidas las tramas y la resolución de las mismas están muy logradas además de ser divertidas. El peso de la película recae sobre las mujeres. Tolerancia, unidad, compañerismo, protección… Estas mujeres representan la fuerza y el sacrificio que le falta al mundo para poder cambiar las cosas. La construcción de los personajes es realmente interesante, mujeres pícaras, sin miedo, que luchan por lo que quieren, y que toman las decisiones más alocadas y divertidas. Diálogos muy ágiles y con mucho sentido del humor, escenas conmovedoras y pequeños golpes de realidad que nos recuerdan que no debemos olvidarnos del trasfondo de la historia.

   Es una película para la reflexión. Se plantean cuestiones como el origen de los conflictos, esas diferencias nimias que matan a personas y que provocan guerras. La pura simplicidad de resolverlos si dejamos a un lado los intereses y la apelación a los instintos más animales del hombre.

   Quisiera destacar varias escenas que me han llamado la atención. La primera de ellas corresponde al comienzo de la película. No diré nada para no desvelar, simplemente les emplazo a que disfruten, se asombren e incluso se emocionen con un paso fúnebre. Y la segunda corresponde al momento más dramático de la cinta. Sorprenderte la forma de resolver la escena de máximo dolor para una de las mujeres. Nos encontramos con el momento que resume a la perfección la idea de la película de unidad y sacrificio por un mismo fin, la paz.

   La música es obra del compositor Khaled Mouzannar que aporta a la película la unión perfecta entre lo sonoro y lo visual. Ya colaboraron juntos en la anterior cinta Caramel, dejando patente la buena “sintonía” entre ambos.

   A todos nos gusta el cine comercial y de superproducciones pero a veces hay que dar oportunidad al cine independiente, comprometido y de concienciación.  Creo que es de admirar el trabajo que hace esta mujer libanesa mostrando un mundo conflictivo de forma que durante casi dos horas el espectador está con una sonrisa en la cara. Es una película que nos abre los ojos y nos invita a la reflexión tanto en el fondo de la historia como en la forma de hacer cine.

CRISTINA VARO (@Cris_Varo)

   Danilo (Filippo Nigro) cumple condena. Su novia Rosalba (Nicoletta Romanoff) quiere mantener correspondencia diaria con él para sopesar mejor la soledad. El problema es que Rosalba le cuesta expresar sus sentimientos mediante la palabra y le pide a su mejor amiga Katia (Cristiana Capotini) que se las escriba. Aunque en un principio son los sentimientos de Rosalba los que se reflejan en las cartas, poco a poco serán sustituidos por los de Katia.

   “Come, reza, ama”, una película donde “la sonrisa de América” se enamoraba de la comida italiana. Pero Italia, a parte de su gastronomía, nos ha dado comedias románticas que me han gustado como “Manuale D’amore, la primera y de la segunda se salva la aparición de Mónica Bellucci (Matrix Reload, Irreversible) o “Perdona si te llamo amor”. En “De Cintura para arriba” Gianfrancesco Lazotti (Saremo Felici) contando con una pareja protagonista que tiene cierta química y su dibujo algo de interés, escoge una historia cuyo formato ideal hubiera sido, y con resultados muy dignos, el cortometraje en vez de un “largo” que rezuma un desarrollo pobre no por la calidad del material sino porque el bruto que no da para más.

   Una ligerísima comedia romántica construida a base de saltos entre el presente y pasado (el uso de esa transición en blanco para hacer los saltos temporales, prácticamente en desuso en las películas y en cambio muy visto en los cortos, pide a gritos una forma de hacerlo más trabajado), con un desarrollo de los personajes y de acciones muy escaso y por esta razón menciono que una historia así se sintetiza mejor en un cortometraje que en hora y media. Los diálogos buscan en ocasiones la comicidad (el alcalde de la cárcel, el jefes de los guardias, Rosalba y sus insinuaciones…) pero creo que estas situaciones son muy forzadas y funcionan mal.

   Puede que a los incondicionales del rollo “te esperaré pase lo pase” les haga tilín alguna escena (en mi caso sólo una: el vaho en el espejo) pero hablamos de una obra menor dentro del género.

F.J (@Rocabay) 
   

   Con éste peculiar nombre  se estrena la ópera prima de Sean Durkin que además es el autor del guion. También es casi el estreno de Elizabeth Olsen (Luces Rojas) eje, motor y alma de éste proyecto.  

   Martha es una joven que sufre un repentino trastorno mental en medio de su intento de recuperar una vida normal tras escapar de una secta y de su carismático líder. Busca ayuda en su hermana mayor Lucy, de la que estaba distanciada, y en su cuñado, pero Martha no tiene ni capacidad ni voluntad para revelar la verdad sobre su desaparición. Cuando sus recuerdos desencadenan la aterradora paranoia de que su antigua secta podría aún estar acosándola, la línea entre ilusión y realidad empieza a difuminarse para Martha.

   No sé si el director pensaba en ella cuando realizó el guion pero Olsen está absolutamente maravillosa en la piel de Martha, esa adolescente perdida del mundo y de sí misma que emprende un duro viaje por el interior de su alma.

   La película es al 80% la interpretación de la menor de las hermanas Olsen (Elizabeth es hermana de las famosas gemelas Olsen, las niñas que interpretaban el bebé de Padres Forzosos). La entrega que le da al personaje, la fragilidad con la que lo muestra y la dureza con que lo interpreta son fascinantes (la reacción en la fiesta final, el desenlace de la historia, o la secuencia en que se le levanta de su cama y se acuesta en la de su hermana y su cuñado cuando éstos están haciendo el amor son cautivadoras).

   Por ello Durkin ha aprovechado al máximo a la intérprete, casi no hay ninguna secuencia en la que no esté ella, y toda la promoción, carteles, trailers y demás propagandas se basan en Elizabeth Olsen. Cosa lógica por una parte, pero que desmerece mucho la más que correcta dirección que realiza Durkin, con un crescendo en la historia (apoyado por el notable montaje de Zachary Stuart-Pontier) apabullante y un manejo de la historia y los espacios fascinantes (la secuencia que desenlaza la película).

   Aunque es cierto que el guion es demasiado contemplativo, en ningún caso juzga los hechos que realiza la “familia-secta” a la que va a parar Martha en su viaje interno y lo que allí la hacen, y demasiado pausado, la historia está muy bien llevada y contada por todos los participantes del proyecto.

   Martha Mercy May Marlene es un alegato a la vida y a la comunicación entre personas, que quizá cueste entender por la naturaleza propia de la historia (creo que en Europa sería casi impensable una situación como la que se plantea en la película). Una carta de presentación para Elizabeth Olsen brillante.

ISRAEL LÓPEZ

   Ópera prima del solvente intérprete Paddy Considine (El ultimátum de Bourne, En América, Cinderella man) que desarrolla un proyecto plasmado en su primer trabajo tras las cámaras (el multipremiado cortometraje Dog Altogether, 2007) demostrando la entereza y el pulso que ha aprendido tras varios años en el mundo del cine.      

   Redención (el título original Tyrannosaur es mucho menos directo y lógico) no es una película sencilla, desde el primer minuto de narración Considine demuestra que vamos a hacer con él un duro, emotivo, trágico y violento viaje por la vida de un perturbado hombre dolido por todas las tragedias que han rodeado su vida. Una complicada y difícil historia de amor sobre el perdón y la culpa.

   Considine dibuja los tres personajes protagonistas con una dureza inusitada, con un dolor y una contemplación que hace complicado pensar otra cosa que no sea que usa experiencias propias. Pero en ningún momento manipula al espectador, no juzga a los personajes, tan sólo se limita a narrar, de forma precisa y fría, los acontecimientos que suceden. Ayuda bastante a sumergirse en el lúgubre escenario la azulada y oscura fotografía que utiliza Erik Wilson (Submarine).

   Por supuesto que una historia con semejante fuerza y dolor no sería posible sin unos actores a la altura. Ahí Considine demuestra su valía como director ya que le entrega los protagonistas a tres brillantes actores que dan lo mejor de ellos en cada papel, pero que aquí especialmente, están fabulosos. Peter Mullan (en nuestras pantallas ahora mismo con War horse), Olivia Colman (La dama de hierro, Arma fatal) y la breve, pero brutal, actuación del siempre solvente Eddie Marsan (War horse, Sherlock Holmes) dotan a sus papeles de una dimensión y una calidad que exponencia la historia y el resultado final (Tres momentos maravillosos por como están interpretados y brutales por lo que muestras: la presentación del personaje de Mullan; la cara de Colman la primera vez que entra en la tienda Joseph (Mullan) e intenta hablar con él y ayudarle; y la escena posterior a que Marsan recoja a Hannah (Colman) del suelo borracha).

   El único problema que le veo a la película es el justito guion. Éste, obra también de Considine, se queda corto en el desarrollo de los personajes (la historia tiene unos primeros 40 minutos absolutamente hipnotizantes, pero se va desinflando lentamente) y por eso el pequeño giro final no es tan impactante como debería. Aun así se trata de una historia brutal, desgarradora y perfectamente contada que era lógico que baje de intensidad y no mantenga esa tensión y brutalidad iniciales.

   Una puñalada en el alma, desarrollada con valentía y solvencia, que hará que salgas de la sala soltando un suspiro de alivio. Una delicatesen interpretativa.

ISRAEL LÓPEZ

   Chronicle es al cine de superhéroes lo que Monstruoso (Cloverfield) es al género de ciencia ficción con monstruo.

   Con un argumento inspirado directamente por las series de televisión Héroes y  Misfits, Max Landis (hijo del maestro John Landis)  y Josh Trank realizan su primer guion para pantalla grande usando como eje central una premisa de sobra conocida: “Un gran poder conlleva una gran responsabilidad”.

   Lo mejor del simple guion, que ni mucho menos simplista, es lo bien que están dibujados los personajes. Cada pequeño detalle que aparece en pantalla tiene un motivo (obvio en algunos momentos) y cada personaje cumple a la perfección lo que se va a pedir de ellos. Los jóvenes protagonistas Dane DeHaan (En Terapia, True Blood), Alex Russell y el más curtido Michael B.Jordan (En Terapia, The wire, Friday Night Lights), acompañados de un magnífico Michael Kelly (Destino oculto, Caza a la espía..) realizan un buen trabajo ante las cámaras, interpretando con curiosa naturalidad casi todas las escenas (alguna de ellas tan increíbles como que dos de los jóvenes estén almorzando en la cornisa de un rascacielos…).

   Imagino que no será casual que Josh Trank debute en el cine con una historia de éstas características, ya que es un género que cualquier adolescente del mundo podría tratar de una u otra manera. Lo destacable, es la fresca realización con la que dirige la película y el crescendo que produce el director (sobretodo con uno de los personajes) a medida que evoluciona la película y los poderes de los protagonistas…. La evidente inspiración televisiva es lo que le resta frescura e impacto a una historia original y sobretodo muy bien desarrollada.

   Las coincidencias con la excelente Monstruoso (Cloverfield) (del gurú televisivo J.J Abrahams) parten del magnífico empleo de la cámara en mano para contar todas las situaciones de los personajes, pasando por unos intérpretes solventes pero casi desconocidos, una fotografía fría y realista, hasta llegar a unos efectos especiales más que destacables (sobretodo teniendo en cuenta que la película ha costado 15 millones de dólares…) y que en casi ningún momento son evidentes (hay que destacar los últimos quince minutos de película en la que la historia deja paso a la acción y que está perfectamente dirigida y planificada).

   Trank y Landis han realizado un muy notable trabajo con ésta película y es de recibo tenerles en cuenta para posibles proyectos en los que no haya una huella televisiva tan profunda . Chronicle es una excelente película de aventuras y ciencia ficción para pasar una buena tarde de fin de semana y olvidar nuestras pequeñas responsabilidades.

ISRAEL LÓPEZ

   David es un joven que ha vivido toda su vida en un pueblo a las afueras de Barcelona. Un día decide trasladarse a vivir a la capital para estudiar bellas artes y convertirse algún día en artista de prestigio. Se hospeda en casa de Gracia, una señora mayor, viuda y cuya única compañía es la de su periquito, a cambio de hacer las labores domesticas. Pero todos los sueños y planes que David traía en la cabeza poco a poco la gran ciudad se los irá comiendo.

   Para la nueva comedia del director catalán Ventura Pons (Anita no pierde el tren, Barcelona (Un Mapa)) vuelve a contar de nuevo con Rosa Maria Sarda (Maktub, Rivales) en una cinta que a pesar de contar con tres guionistas: Carmen Morell, Jaume Cuspinera y Pons hace aguas por múltiples razones pero la principal y más importante: es una comedia sin comedia.

   Año de gracia tiene una realización que empieza de una manera más o menos interesante (la llegada de David a la gran ciudad con esa cámara en el cogote con reminiscencias a Aronofsky) pero todo ello se diluye cuando avanza la función. El guión presenta como trama principal la relación que mantiene David y Gracia, la casera insoportable y el inquilino que aguanta todo, tantas veces vista. No crítico la falta de originalidad, que es lo de menos, sino que dentro de esta pareja Sardá hace simplemente de Sardá, apenas tiene matices y se limita a gesticular y hacer aspavientos intentando causar la gracia, nunca mejor dicho, sin apenas conseguirlo, mientras que y el joven Oriol Pla hace lo que puede. Las situaciones no son cómicas (lo del pájaro sobra) y se repiten (una partida de cartas, vale. Dos ya no). No sientes empatía en ningún momento y cuando la situación se pone un tanto dramática es demasiado tarde para mostrar algo de interés.

   Además, si no funciona la trama principal las subtramas están poco o nada trabajadas. Son meras pinceladas que no llevan a ninguna parte. El colega de David, Marcal, su compañera de clase Noa, Pere, dueño de un bar o el divorcio de los padres son historias que cuando termina la proyección uno piensa, ¿para que aparece esto o lo otro?. Después tenemos el recurso del Chat con el ordenador que David usa para hablar con su hermano. Desde el punto de vista de guión es interesante como forma de crear un vinculo personaje/espectador y que conozcamos del deseos y miedos del personaje de David pero creo que se vuelve tedioso y de tanto usarlo (hay como tres escenas de esto) pierde fuerza.

   Creo que no hay nada peor que una comedia sin humor. La premisa de joven que llega a la gran ciudad (me ha venido a la cabeza Paco Martínez Soria y su genial “La Ciudad no es para mí”) da o puede dar mucho juego y no ha sido así. Aprendamos a hacer buen cine de género como “Promoción Fantasma”, actualmente en cines, en vez de viajes como el que emprende David y que no llevan a ninguna parte.

F.J (@Rocabay)

   Fallido cuento con moraleja sobre el destino, la madurez y las pequeñas, insignificantes e intranscendentes decisiones que se tornan cruciales en el devenir de la vida.

   Con casi noventa años, nació en 1922, Alain Resnais (On connait chanson, Smoking/No smoking, Hiroshima mon amour ) dirige y adapta, con un lacónico y triste pulso, ésta fábula basada en la novela de Christian Gailly “El incidente”.

   Es una sensación absolutamente personal, pero no me ha llegado la historia. Creo que el montaje y la voz en off no ayudan a que avance la película, es más, creo que lo ralentizan de manera innecesaria puesto que la propia historia sin tantos artificios podría haberse sostenido. El detallismo que se muestra en determinados momentos (la presentación de ella) hace más que sientas repulsión que empatía por los personajes, por más que éstos sean fascinantes ( ella es una dentista que disfruta de su tiempo libre siendo dentista!!).

   Los personajes que centran la historia están interpretados por dos actores fetiches del director: Sabine Azéma (ha colaborado con Resnais en ocho ocasiones;  Asuntos privados en lugares públicos, Tanguy, ¿qué hacemos con el niño?))  y André Dussolier (la séptima vez; No se lo digas a nadie, Asuntos privados en lugares públicos, la maravillosa tres solteros y un biberón…y curiosamente Amelie). Además, destaca la colaboración del grandioso Mathieu Amalric (La escafandra y la mariposa, Quantum of solace). Obviamente ellos están fabulosos, mostrando una química, una pasión y un saber hacer maravilloso.

   Pero el mayor problema de la película se encuentra en su fallida dirección, no tanto en como dirige Resnais, sino en lo que dirige. Hay veces que el espectador tiene la sensación de que está perdido viendo la película y que no entiende el motivo que impulsa a los personajes (sobre todo de Palet (Dussolier) que aunque al final se desgrana es llevado con un secretismo excesivo para el tipo de película que se trata). Ese despropósito a la hora de contar la historia es lo que hace que casi nada funcione.

   El poso que deja el film es que Resnais ha querido hacer su particular “Amélie (Jean-Pierre Jeunet) pero que no ha sabido realizarlo…

ISRAEL LÓPEZ

   “Profesor Lazhar” compite en la 84 Edición de los Premios de la Academia a la mejor película en lengua extranjera frente a “Nader y Simin, una separación”, “Bullhead”, “Footnote” y “In Darkness”. La que representará a Canadá el próximo domingo 26 de febrero cuenta la historia de Bachir Lazhar, argelino, que tiene que emigrar de su país y pedir asilo en Montreal. Allí, entrará como maestro en una pequeña escuela.

   El director canadiense Philippe Falardeau, ganador en el Festival de Berlín con “C’est pas moi, je le jure”, centra su historia en la relación que poco a poco van entablando los alumnos de la escuela con Bachir. Lo interesante de esta propuesta es el tratamiento que se hace del tema de la muerte, un tema tabú en nuestra sociedad y que el cine suele poner el punto de vista en los adultos. Ahora lo hace en unos niños que no deben pasar los 10 años pero que a pesar de ello tienen mucho que decir. Son los propios profesores los que quieren tapar el tema, como gran parte de la sociedad actual, pero tanto Bachir como los niños necesitan exteriorizar los que siente al respecto para poder seguir adelante. Otros temas como la propia inmigración, el saber amoldarse y respetar otras culturas o el valor de la educación y la figura del profesor, que desgraciadamente se está perdiendo a marchas forzadas, dibujan el guión que el propio Falardeau ha confeccionado, pero el que realmente prima es el misterio de la muerte ante unos niños en una edad donde buscan un “que”, “porque” o simplemente un abrazo y somos muchas veces los adultos los que preferimos evitar el tema mirando hacia otro lado.

   Es asombroso el trabajo de la pequeña Sophie Nelisse siendo este su debut en la gran pantalla. La naturalidad y emotividad que desprende su interpretación recuerda a los inicios de Dakota Fanning en aquel estupendo drama “Yo soy Sam”. Mohamed Fellag como Bachir es un personaje que poco a poco vamos desmenuzando y va dejando ver los entresijos que esconde. Pero sobre todo destaca la naturalidad de las situaciones que plantea y como se van desarrollando. Es una película que a pesar de su ritmo en ocasiones lento sabe encajar perfectamente del drama con la comedia pero sin buscarlo sino que simplemente surge.

   Las quinielas apuestan por “Nader y Simin” como posible ganadora de la preciada estatuilla pero ocurra o no, vean este delicioso título y déjense enseñar.

F.J (@Rocabay)

   Con un presupuesto inicial de 170,000,000$ se presenta una auténtica obra de arte visual y en 3D. Prueba de ello son los treinta y siete premios que ha ganado y las once nominaciones a los Oscar que ha recibido. Estamos ante una superproducción de la mano de Martin Scorsese. Atrás dejamos el género negro, el drama, el thriller… decide romper momentáneamente con este tipo de películas para dejar paso a una nueva faceta más familiar que nos ha dejado con la boca abierta, literalmente hablando. Con esta película se rompen varias tradiciones que venía recogiendo el director. Para empezar, el cambio drástico de género, la incorporación del 3D, la ausencia de su actor fetiche DiCaprio (presente en sus películas desde 2002) y la calificación, por primera vez, como película para todos los públicos.

   La cinta está basada en el libro de Brian Selznick, “La invención de Hugo Cabret”. La adaptación a manos del propio Scorsese es muy fiel al libro aunque cabe destacar que este peculiar best seller y digo peculiar porque se trata casi de un storyboard, es una obra de arte por los dibujos que encontramos en él.

   La película narra las andanzas de un niño huérfano que vive escondido en la estación de trenes de París, y que tiene como ilusión arreglar un antiguo autómata (figura mecánica que escribe y trabaja sola) porque está convencido de que guarda un mensaje de sus padres.

   Aunque en un principio el film está dirigido a un público infantil, tiene la magistral sutileza de estar destinado al publico adulto ya que se trata de una obra sobre los inicios del cine y más en concreto sobre uno de los inventores y padres del séptimo arte, George Mélliès. Es un homenaje en toda regla al los creadores del celuloide y un deleite para aquellos que seguimos de cerca este fantástico mundo. Recordar las primeras películas de la historia, esos documentos visuales que se estudian en todas las academias de cine y en las universidades… Es fantástico reencontrarse con todo esto de la mano de uno de las grandes directores de la historia del cine y además contado de la forma que está contado, con ese cariño, melancolía, respeto y admiración.

   Si ya la película es impresionante técnicamente, hay que sumarle el logro del 3D. Personalmente, yo no me considero fan de la tercera dimensión, pero en este caso me ha convencido al cien por cien. Hay momentos espectaculares en escenas de acción y primeros planos asombrosos en los que el efecto resalta como nunca.

   Técnicamente todo es perfecto. Quisiera destacar los primeros minutos de la película en donde se presenta tanto a los personajes como el lugar donde tomará toda la acción. Disfruten de los movimientos de cámara, del decorado, de la coreografía técnica, del vestuario, de los colores, de todo en general, porque a partir de ahí va in crescendo.

   Sobre los intérpretes, hay alguna sorpresa como la transformación de Sacha Baron Cohen, que para mi es de los mejores personajes de la película. Y un pequeño papel pero importante para Jude Law. El niño que interpreta a Hugo, Asa Butterfield, ya le pudimos ver en “La niñera mágica y el Big Bang” y en “El hombre lobo”. Chloe Grace Moretz (Isabelle) es la niña que nos cautivó a todos como heroína de menos de metro y medio en “Kick-Ass”. En el mundo de los mayores encontramos al actor Ben Kingsley (Gandhi, Shutter Island, Oliver Twist), Helen McCrory (The Queen, Harry Potter) y Christopher Lee (Star Wars, El señor de los Anillos).

   En resumen. No he encontrado una sola razón para no ir a verla, al contrario, harían mal si no disfrutan de esta fantástica, mágica y preciosa película. Creo que este punto y aparte en el cine de Scorsese a resultado ser un éxito.

CRISTINA VARO (@Cris_Varo)

   Dicen que las comparaciones son odiosas pero en este caso estamos ante una copia más que perfecta de una Marilyn más Williams que nunca. Si la original era una adicción para el resto de la humanidad cada vez que hacía una aparición en la gran pantalla o en el papel couché, esta nueva tentación rubia nos deja con la boca abierta. Michelle Williams se mete en la piel y en la mente de esta complicada y a la vez fantástica mujer.

   Ganadora de una docena de premios por esta interpretación, incluido el Globo de Oro, ahora suma su tercera nominación a los Oscar de Hollywood. Después de “Blue Valentine” y “Brokeback Mountain” la actriz vuelve con esta actuación que nos ha cautivado a todos.

   Simon Curtis dirige esta película de producción inglesa. Para el director supone su primer éxito importante ya que es más conocido por dirigir “tv movies” y producir series de televisión. La película está basada en los libros que Colin Clark escribió. Era un joven que trabajaba como asistente durante el rodaje de “El príncipe y la Corista” protagonizada por Sir Laurence Olivier y Marilyn Monroe. Durante el rodaje de la misma, Clark le ensaña a Monroe el estilo de vida británico y juntos pasan una semana en la cual ella se evade de las presiones de su rutina de trabajo y de la fama, haciendo que el joven chico se enamore de ella. Adrian Hodges se encarga de la adaptación del guión.

   El film destaca por muchas cosas, pero lo principal es el magnifico elenco de actores que presenta. Los dos protagonistas están de escándalo. El siempre magnífico Kenneth Branagh haciendo de Sir Laurence Olivier (Nominado al Oscar por este papel), Judi Dench, Julia Ormond, Dominic Cooper, Emma Watson y Eddie Redmayne como Colin Clark. Este último nos recuerda ese primer gran amor que nos nubla la vista y por el que estamos dispuestos a darlo y dejarlo todo.

   Con un diseño de vestuario, maquillaje y diseño de producción muy destacables la película, en su conjunto, es una delicia para el espectador. Nos adentramos en la vida de éxito y tormento de la mujer más solicitada de la época, nos convertimos en un joven inexperto en el amor que vivirá una historia inolvidable, viviremos la frustración de un rodaje complicado pero a la vez divertido, pero sobre todo, disfrutaremos de la maravillosa historia que nos están contando. No es una obra maestra pero es perfecta para pasar un rato más que agradable.

CRISTINA VARO (@Cris_Varo)

   Si acuñamos el término artesano en el mundo del celuloide a la persona que controla todo el proceso de creación y ello refleja un indiscutible sello personal, para bien o mal el ganador del Oscar Steven Soderbergh (Trilogía Ocean´s, Traffic) es uno de los pocos que aún se mueven en la línea de un cine comercial pero sin rechazar un evidente gusto estético. Acostumbrado en múltiples proyectos a compatibilizar las labores de dirección/fotografía (utilizando el seudónimo de Peter Andrews) en Haywire también lo hace de la edición (como Mary Ann Bernard) logrando que los escasos 23 millones de presupuesto que ha necesitado para esta cinta de acción brillen en sus abundantes secuencias acrobáticas, en su mayoría realizadas por los propios actores. Lastima que el guión de Lem Dobbs (Dark City, The Score) sea un refrito del género y tenga en su casting actores poco a nada inspirados como Antonio Banderas (Oro Negro, La Mascara del Zorro).

   En “The Girlfriend Experience” contrato a la actriz porno Sasha Grey para narrar en forma de falso documental que se esconde detrás de las chicas de alto standing que venden su compañía a cambio de altas sumas de dinero. El resultado fue sumamente estimulante tanto por la temática como la cuidada puesta en escena. Ahora coge a la campeona de lucha libre Gina Carano con apenas experiencia en cine y la pone al frente de este proyecto que juega con la premisa de “agente cazado que busca al cazador” pero en su versión más simplona. Carano se mueve bien en un personaje que es más físico que psicológico, de ahí que Soderbergh la haya escogido. El resto de casting es bueno: Michael Douglas, Ewan McGregor, Channing Tatum, Michael Fassbender o el gran Bill Paxton pero podemos estar hablando más de cameos por su escasa aparición en pantalla que de papeles. Reunión de colegas para hacer algo juntos. El que me asombra es Antonio Banderas, un actor que sin ser excepcional se ha sabido mover por proyectos como “La Mascara del Zorro” o “Femme Fatale” pero que ahora en escenas como la de Marbella parece haber perdido el rumbo de su carrera.

   “Un Romance muy Peligroso” o el estupendo díptico que hizo sobre el Che, Steven Soderbergh rueda bien las puntuales secuencias de acción. Ahora estamos en una cinta de hora y media donde la acción casi no decae. El trabajo de montaje y sonido están muy cuidados, me quedo en la secuencia del rescate de un rehén donde el sonido directo es suprimido por el soundtrack, y debido al bajo presupuesto las peleas denotan un trabajo de planificación previa de storyboard por la precisión con que es colocada la cámara. Estimulante. Habitual en la filmografía del director, se vuelve a hacer uso de rótulos para situarnos así como una gran variedad de dominancias cromáticas dependiendo de la localización. La música de David Holmes (Zoolander, Código 46) recuerda demasiado a la trilogía Ocean´s (véase la secuencia en Dublín).

   A pesar de las carencias evidentes en su estructura, Haywire es cine de acción rodado por alguien con un indiscutible gusto estético que amenaza con una jubilación anticipada. Toco madera para que esto no ocurra.

F.J (@Rocabay)

   La Primera Guerra Mundial dejó consigo, además de los soldados muertos en combate, mucha otra que falleció debido a múltiples enfermedades como la gripe. Es entonces cuando la gente buscó en el espiritismo una forma de contactar con los más queridos. Florence Cathcart, defiende que todo esto es más que un engaño para sacar el dinero a la gente, habiendo publicado un libro al respecto. Decide viajar hasta una vieja mansión que ahora hace las veces de orfanato para intentar explicar, con la ciencia en la mano, la aparición de un fantasma.

   Cuando en 2005 se estrenó El Exorcismo de Emily Rose parecía que iba a ser otra más de posesiones demoníacas pero no fue así, ya que a parte de contar con los siempre solventes Tom Wilkinson (Michael Clayton, Full Monty) y Laura Linney (Love Actually, Mystic River) se movía hábilmente por una línea muy delgada que separaba una típica película de exorcismos con otra de juicios. La combinación de ambos géneros nos dio una cinta con un desarrollo más o menos original en el que ciencia y fe se veían la caras en los tribunales. Después vino Sleepy Hollow en la que Ichabod Crane (Johnny Depp) interpreta a un joven que viaja a una remota aldea para explicar mediante la ciencia la aparición de una fantasma decapitado. Estos dos títulos sirven para explicar que el punto de partida que aporta el guión que escribe Nick Murphy (siendo este además su debut como director en un largometraje después de trabajar en la pequeña pantalla) y Stephen Wolk (ganador del BAFTA por el cortometraje The Deadness of Dad) no aporta nada o casi para aquellos que hayan visto los títulos mencionados. Entre esto y que la realización es bastante convencional (una o dos escenas se salvan entre la que destaco esa en la cual la protagonista observa a través de las ventanas de una casa de juguetes) poco son los alicientes que levantan la película, a excepción de la brillante fotografía del español Eduard Grau (Buried, Un Hombre Soltero) tanto en interiores como en los hermosos paisajes anglosajones donde se rodó la película y el clímax que resuelve la cinta consiguiendo levantar el ánimo del espectador frente a los convencionalismos típicos del género ante los que ha sido expuesto. Un final sorprendente, no lo discuto, pero un tanto inverosímil y mezcla de otros títulos que no nombraré por el tema de los spoilers.

   Normalmente en este tipo de cintas si construyes un personaje más o menos ambiguo saldrás bien parado. Por ejemplo, la hemos visto en papeles más o menos secundarios y ahora Rebecca Hall (The Town, Vicky Cristina Barcelona, El Truco Final) construye un personaje que sin ser muy interesante (¿a cuento de que viene la escena de la ducha en un intento absurdo de parecerse a Psicosis o la escena de la violación?) hace que sea más o menos creíble en su conclusión final. La nominada al Oscar Imelda Stauton (El Secreto de Vera Drake) hace una interpretación que parece una prolongación de Vera Drake, es decir, “escondes algo pero no se que” lo mismo que Dominic West (300, The Wire) y el chavalín de la serie de televisión Juego de Tronos, Isaac Hempstead, está.

   La semana pasada se estrenó La Mujer de Negro del mismo género y me llama la atención porque si bien esta cinta tiene un desarrollo llamativo (fantástica puesta en escena) y un final tan insulso que descompone todo lo sembrado con anterioridad, ahora ocurre totalmente a la inversa. Un desarrollo más o menos convencional para llegar a un final que, al menos, son de los que dan para conversar a la salida del cine.

F.J (@Rocabay)

   Cuando escribo estas líneas ¨Intocable” lleva 17,4 millones de espectadores y cerca de los 110 millones de euros de recaudación, estando cerca de convertirse en la película más taquillera en la historia de Francia. Primero se presentó en el Festival de San Sebastián donde tuvo una buena acogida. Ganadora en el Festival de Tokio a la mejor película e interpretación de Francois Cluzet (Pequeñas Mentiras sin Importancia) y Omar Sy (Micmacs). Recientemente estrenada en Alemania que con 167 copias ha conseguido 290.000 espectadores y los Hermanos Weinstein (The Artist) han comprado la película para su distribución en EE.UU. y ya se habla de un posible remake. Todos estos datos hacen justicia ante la que puede ser una de las mejores comedias en lo que llevamos de año con la cuidadísima factura que nos tiene acostumbrado el cine francés.

   Debo reconocer que tuve que dejar un par de días con respecto al día que salí de ver este título porque quería saber si el poso que dejaba era igual de bueno que cuando estaba en el pase de prensa. Ahora no sólo sigo pensando lo mismo, sino que mejora con el recuerdo que tengo de ella. Intocable cuenta la amistad que unió a Philippe y Driss, basada en hechos reales, cuando el primero de ellos, un aristócrata que vive en uno de los barrios más ricos de Francia tiene que contratar a una persona que le ayude con los cuidados diarios ya que desgraciadamente Philippe tiene parálisis de cuello para abajo.

   Esta película podría haber sido un secuela de “Mar adentro” pero sus directores, Olivier Nakache y Eric Toledano que llevan juntos primero con cortometrajes como “Les Petits Souliers” ganador en el Festival de Paris o películas como “Tellement Proches”, firman un guión que trata el mismo tema que la cinta de Amenabar pero poniendo el acento en ver el vaso medio lleno lográndolo, primero, con unos actores que están perfectos, segundo, unos diálogos ingeniosos a la par que la situaciones que plantea y por último, la cuidadísima factura que el sello francés suele poner en sus trabajos y por ello no extraña que Francia sea uno de los pocos países que su cine funciona mejor dentro que fuera.

   Francois Cluzet y Omar Sy forman una pareja que juntos son intocables. Cluzet construye un personaje postrado en silla de ruedas cuyo único foco de interpretación radica en su cara. No hace falta nada más. Es asombroso no solo lo humanidad que desprende el personaje sino la naturalidad de sus intervenciones. Omar Sy, al que yo desconocía, crea un personaje con el nos vamos a sentir identificados ya todos tenemos un pequeño Driss dentro. A través de Driss se nos da una crítica primero a las diferencias sociales, pero también al arte, ¿qué es el arte?, ¿cuánto vale el arte?, ¿para que sirve el arte?.

   Es interesante el valor que da esta película a la vida humana. Si en la película de Ramón Sampedro la dignidad de la persona estaba frenada por tener que estar postrado en una cama, ahora el discurso centra su pilar maestro en el valor de las relaciones humanas y como muchas veces el tener al lado a alguien que te quiere, que te apoya puede suplir cualquier tipo de carencia, incluida las piernas. “No me da miedo no tener piernas, me da miedo el haber perdido a mi mujer” dice Philippe. Las piernas, vista, oído o manos sólo tienen el valor que cada uno les ponga. ¿Cuánto vale una verdadera amistad?. No penséis que la película no se moja con el tema del sufrimiento ante una discapacidad y se limita al optimismo porque no es así. Lo hace pero de manera inteligente, hábil con unos diálogos que se mueven entre la ternura y lo amargo, jugando al doble sentido, una característica de este guión que me parece más difícil en términos de originalidad y planificación que en otro donde todo es negatividad y ganas de morir.

   A gusto de un servidor nos encontramos con una de la comedias más divertidas y tiernas del año. Animo a todos a verla. No os arrepentiréis.

ESTRENO 17/02/2012

   La mujer de negro, basada en la novela homónima de Susan hill, adaptada por Jane Goldman (Stardust, Kick-Ass) colaboradora habitual del director Matthew Vaughn (X-Men: Primera generación) supone la primera película de su director James Watkins (cierto es que antes había rodado Eden Lake pero debido al desconocimiento por una gran mayoría de este título podemos considerar éste su gran debut) así como la prueba de fuego de Daniel Radcliffe (Saga Harry Potter) de ver como se desenvuelve fuera del papel del joven mago que le catapultó. El resultado es una cinta bastante digna, con un acabado que bebe de las producciones de la Hammer que tan populares se hicieron en los años 60 pero que no convence por…ese final. 

   Daniel interpreta a un joven abogado, Arthur Kipps, que tiene que acudir a un pequeño pueblo para cerrar la venta de una antigua casa cuyo dueño acaba de fallecer. Al llegar al lugar, comienza a notar la reticencia de la gente a ayudarle en cualquier tema que tenga que ver con la casa.

   El primer interés al que uno se enfrenta a este título es ver como se desenvuelve el ya no tan joven Daniel en papeles que no tengan nada que ver con Potter. Es cierto que había leído que meses atrás se había subido al escenario para interpretar la obra de teatro Equus de la que recibió buenas críticas no sin cierta controversia por un desnudo…críticos que se escandalizan, lo que ya me hizo vaticinar que el chaval se defendería bien en futuros proyectos. Y así es. El papel que aquí ofrece no es extremadamente complejo pero conjuga bien la fragilidad del personaje por un suceso acaecido en su vida personal con el thriller sobrenatural propiamente dicho. Un apunte que debo hacer como impresión personal es que yo hubiera escogido para el papel que hace, tal vez, a un actor un poco mayor. Se me hace un tanto raro, por su caracterización, que este personaje ya esté casado, en un despacho de abogados bastante prometedor…esto no va en detrimento ni de la historia ni tampoco de la verosimilitud del personaje pero es un dato que un servidor le chocó.  El resto del casting se ha optado por caras más o menos desconocidas a excepción de Ciarán Hinds (Munich, La Deuda) que es el típico secundario que te suena su cara, no sabes muy bien donde le has visto pero que el tío cumple.

   A nivel formal llama la atención el cuidado que ha puesto Tim Maurice-Jones (Snatch, Lock and Stock), Kave Quinn (Trainspotting, Layer Cake) y Marco Beltrami (Scream, La jungla de Cristal 4.0) con la luz, diseño de producción y música respectivamente, para crear la atmósfera que rodea a toda la película. Una atmósfera muy similar a Sleepy Hollow de Tim Burton (sólo hay que ver la escena donde Arthur se despide de su hijo en la puerta de su casa o el ático donde abre la película. Que bien le hubiese venido a La mujer de negro rodarla en blanco y negro, verdad?.). Tanto la de Burton como esta son un homenaje a clásicos producidos por la Hammer como Drácula, Frankenstein o La Momia en donde un alo de irrealidad baña a toda la cinta. En este caso que nos ocupa el homenaje es clarísimo en cuanto que la productora que está detrás del proyecto es la propia Hammer.

   El guión se mueve dentro del género que podríamos llamar “casas encantadas”. En este sentido no aporta nada nuevo a lo ya visto pero lo hace bien, con una realización bastante convencional pero acorde a lo que se cuenta, dosifica bien el suspense (creo que en esto ayuda mucho las localizaciones que se han escogido entre las que destaco por su belleza a la par que un tanto surrealista la carretera que une el pueblo con la casa), el ritmo reconozco que tal vez es algo lento para este género, cercano más al cine europeo que el americano, y predomina más el silencio que el diálogo pero todo va acorde con esos paisajes gélidos donde se nos narra la historia. Es una cinta donde predomina más los momentos carentes de música que sólo entra en momentos muy puntuales, recurso que ayuda a que la tensión vaya in crescendo, pero sobre todo, y esto le veo un logro con respecto a los muchos títulos que pasan por las carteleras y que me dejan indiferente, hay escenas de miedo muy bien conseguidas. En definitiva, es una cinta cuidada, con cierto nivel.

   Pero cual es la sorpresa cuando veo todo tan cuidado, me he pegado un par de sustillos mu majos contempla la forma de concluir la historia. No hablamos de un final malo o inverosímil, porque no lo es, es un final insulso, insípido. Es lógico, pero a la vez te quedas sin saber que pensar. Me parece que todo lo que va sembrando con buenas intenciones a lo largo de la hora y media de duración se desinfla provocando que el espectador no sepa inclinarse entre “me han tomado el pelo” o “Vale!, me gusta….”. Decidlo vosotros. Si os sirve de consuelo escribo esta líneas habiendo dejado un par de días desde su visionado para reflexionar y sigo pensando lo mismo…

F.J

   Esta semana nos llega desde Francia “Cuenta Atrás” (À Bout Portant). Un Thriller protagonizado por Gilles Lellouche (Pequeñas mentiras sin importancia, Quiéreme si te atreves), Roschdy Zem (Días de Gloia, Vete y Vive) y la española Elena Anaya (La Piel que Habito, Habitación en Roma). Fred Cavayé, conocido por “Anything for Her” y guionista en “Los próximos tres días” es el director de la cinta.

   Samuel y Nadia son una pareja que vive feliz en París.  Él trabaja en un hospital como enfermero y en breve serán padres de su primer hijo. Pero todo cambia debido al destino. Lo único que hacen mal es estar en el momento equivocado y en el lugar equivocado. Una mala casualidad. Nadia es secuestrada por unos delincuentes. Para salvar a su esposa, Samuel deberá ayudar a escapar del hospital a un paciente que se encuentra bajo vigilancia policial. A partir de aquí comienza una carrera contrarreloj para salvar a su mujer de los secuestradores pero poniendo en jaque su propia vida. Pero esta historia se complicará cada vez más hasta llegar a un punto de máximo confusión para los personajes. Lo bueno de la cinta es que muestra como el ser humano es capaz de enfrentarse a todo con tal de proteger a los que quiere, incluso sacrificando su propia vida y más aún cuando el protagonista es una persona normal y corriente que se ve envuelto en una situación surrealista para él.

   Es una película entretenida, mantiene bien el suspense y la intriga, aunque en algunos puntos falla el guión, hay momentos muy obvios. Por otra parte cabe destacar las escenas de persecución por las calles de París, y sobre todo una escena rodada increíblemente bien en el metro. De lo mejorcito.

  Es una película correcta, perfecta para pasar una tarde entretenidos y disfrutar del cine de persecuciones que mantienen al espectador en tensión durante hora y media.

CRISTINA VARO (@Cris_Varo)

   Una vez más tenemos el placer de disfrutar en la gran pantalla del actor Liam Neeson (La lista de Schindler, El Equipo A, Love Actually). Con una película de acción, thriller y aventuras bajo cero, The Grey (título original traducido aquí a Infierno Blanco) cuenta la historia de supervivencia de un grupo de trabajadores de una refinería de petróleo que sufre un accidente de avión quedando aislados en las remotas montañas de Alaska. Tendrán que sobrevivir a las gélidas temperaturas y aún peor,  a la amenaza de los lobos que habitan allí. Los mismos lobos que Ottway (Liam Nesson) se encarga de matar para proteger a los trabajadores. La historia del cazador cazado.

 
   Nos enfrentamos a una película de esas en las que el espectador comparte al cien por cien las vivencias de los personajes, la angustia, el dolor, el miedo, e incluso el frío. Por cierto, decir que el rodaje tuvo lugar en Canadá (British Columbia) y tuvieron que rodar a temperaturas extremas de cuarenta grados negativos. Además, las escenas de tormentas no fueron hechas con efectos visuales sino que aprovecharon las inclemencias del tiempo para grabarlas.

 
   La película además de la supervivencia física supone una supervivencia personal, mental. El ser humano llevado hasta el límite. El eterno dilema de la fe, de creer cuando más se necesita estar apegado a algo, suplicar por la ayuda divina. Intentar luchar para sobrevivir o rendirse a la muerte perdiendo la última esperanza.

 
   El guión, a priori, parece sencillo. Ya son muchas las historias que nos han contado sobre supervivencia en situaciones extremas, pero si desmenuzamos poco a poco la historia vemos detalles de calidad en las subtramas. La película está llena de paradojas contradictorias. Un hombre que busca como única solución a su vida el suicidio y sobrevive a un accidente. Se gana la vida matando lobos, los mismos que ahora amenazan con matarle. Paisajes maravillosos, idílicos que se convertirán en el cementerio de los supervivientes. Aferrarse a la vida sabiendo que es muy poco probable que sobrevivan.

 
   La dirección corresponde a Joe Carnahan (Ases Calientes), que ya había compartido película con Liam en “El Equipo A”. Carnahan nos deleita con varias escenas dramáticamente muy fuertes e intensas. Destacar el momentazo de la película que a mi entender es lo que engancha al público y lo introduce en la trama de forma magistral y brutal al mismo tiempo. La escena del accidente de avión. No pierdan detalle. Es espeluznante.

 
   Los sonidos y la ausencia de estos son muy importantes, sobre todo cuando aparecen los lobos. Solemos oírlos antes que verlos y el efecto que provoca es de mayor alerta y suspense.

 
   Mención a parte es la interpretación del señor Neelson. Una mezcla de ternura, pena, conformidad, nostalgia, perdida. Tiene la capacidad de hacernos pasar por todas esos sentimientos por los que atraviesa su personaje. Hasta cuando hace de malo nos gusta.

 
   En general es una película emocionante que te mantiene en el filo de línea entre el optimismo y el pesimismo. Tiene momentos de mucha espectacularidad tanto de dirección como de interpretación, sobre todo hacia el final. Aprovechen y vayan a verla ahora que hace este frió polar. Comparado con lo de la peli, esto es un tiempo veraniego.

CRISTINA VARO (@Cris_Varo)

   Espectacular propuesta del director Steve McQueen sobre un tema complejo donde los haya. Nos presenta su segunda película después de “Hunger” y vuelve a contar con el actor Michael Fassbender (Un Método Peligroso, Jane Eyre)  aunque no será su última colaboración ya que están preparando la tercera película juntos.

   La cinta cuenta la historia de Brandon, un hombre de treinta tantos años que vive solo en su apartamento de Nueva York. Tiene un buen trabajo y en sus ratos libre se dedica a seducir mujeres. Nada serio, encuentros de una noche. Toda esta calma en su vida se ve sacudida con la llegada repentina de su hermana Sissy (Carey Mulligan), chica rebelde y problemática. Su presencia llevará a Brandon a perder el control de su propio mundo.

   McQueen, junto con Abi Morgan, ha escrito este fantástico guión en el que la vida del personaje gira en torno a su adicción, en este caso, al sexo. Una adicción que está presente en todos los aspectos de su vida, en lo persona, social, laboral, familiar. Incontrolable hasta el punto de ser destructiva.

   La cinta nos hace reflexionar sobre los traumas que hemos podido tener en nuestras vidas y la forma en que nos marcan. Es un película de una psicología compleja. Los dos personajes están tocados por un trauma que desconocemos y lo que nos enseña el director es la forma que tiene cada uno de ellos de exteriorizarlo. Brandon mediante el sexo, vive por y para ello. Es meticuloso, controlador en su día a día, mujeriego, superficial en sus relaciones personales y Sissy es todo lo contrario, extrovertida, lanzada, apasionada, con una carencia afectiva y una relación rota que la hace buscar a alguien que le de eso que necesita. Estos dos trenes explosivos se encuentran y se produce el estallido de ambos.

   La película está llena de escenas de sexo y bastantes desnudos, entre ellos el del protagonista, pero lo que llama la atención es que todo esto es secundario. No es una simple película sobre sexo, es un película sobre cómo una persona puede vivir con una adicción tan fuerte. Es incapaz de establecer una relación con alguien si no es sexual, no muestra sentimientos ni con su hermana, ni con su jefe. No tiene amigos, es un juguete roto que huye de su “droga”, pero esa huída le provoca reencontrarse con ella una y otra vez.

   Las interpretación son espectaculares. Michael Fassbender ha tenido la oportunidad de “desnudarse” no solo físicamente sino psicológicamente ante una cámara de forma perturbadora. Cautiva al espectador en su mundo de angustia, de tormento, de opresión provocada por él mismo. Estamos ante un monstruo de la interpretación y de ahí mi total incomprensión al olvido de los académicos para los Oscar. Lo mismo pasa con la excelente Carey Mulligan (Drive, Never let me go, An Education). Acostumbrados a verla en papeles en donde muestra una fragilidad casi de porcelana, de niña buena, contenida… en esta película es otro juguete roto, una bomba de relojería y atentos porque tiene una escena que nos deja helados, un primer plano de casi dos minutos en donde vemos al personajes abierto en canal a través de sus ojos y su voz. Brillante.

   La película técnicamente acompaña a la historia, es decir, toda ella está en un azul constante reflejando la frialdad de la vida de los personajes, la falta de calor, de afecto, de cariño. Ausencia de colores cálidos. Un mundo de matices fríos. El director juega mucho con los reflejos, los cristales, los espejos… Vemos muchos planos secuencia. Planos largos muy bien aguantados por los actores. Estos planos aportan una tensión que no se rompe hasta que cambia la escena. La banda sonora merece mención aparte y corre a cargo de Harry Escott. Inquietante, triste, brillante, magnífica.

   En definitiva, es un película perturbadora que muestra un tema tabú en nuestra sociedad en donde mucha gante padece esta enfermedad pero se habla poco de ella. Como cualquier otra, va consumiendo la vida del afectado hasta acabar con todo a su alrededor. Solo queda la solución de pedir ayuda o cargar con ello para toda la vida.

CRISTINA VARO (@Cris_Varo)

ESTRENO 17/02/2012

   “Viaje al Centro de la Tierra 2: La Isla Misteriosa” responde a la continuación de la cinta de 2008 “Viaje al Centro de la Tierra” que hacía una adaptación/inspiración de la novela homónima de Julio Verne y que conseguía embolsar para las arcas 250 millones frente a los 60 que costó. El único que se apunta a esta nueva aventura es el joven Josh Hutcherson (Todos los Chicos están Bien, Un Puente hacia Terabithia) ya que su protagonista Brendan Fraser (La Momia, El Americano Impasible) es sustituido por Dwayne Johnson (Tesoro del Amazonas, A todo Gas 5), ambos coincidieron en “El Regreso de la Momia”, y ahora dirige Brad Peyton (Como Perros y Gatos: La Venganza de Kitty Galore).

   Enfocado hacía un público más infantil que juvenil se agradece que la hora y media que dura la cinta estén bien aprovechados a través de una historia que si bien es excesivamente simple, arranca en su minuto uno con la aventura hacía la isla misteriosa en vez de perderse por los laureles. Estas películas suelen tener un acabado pobre donde el píxel y croma campan a sus anchas pero los casi 80 millones de presupuesto de la cinta a nivel de producción brillan en secuencias como el ataque del lagarto gigante o la persecución de las abejas con ralentizaciones propias de Zack Snyder (Ga´Hoole: La Leyenda de los Guardianes, Sucker Punch). El lugar que ocupa el 3D es el mismo que en la primera entrega, de dentro hacía afuera, logrando que en determinadas ocasiones los “peques” disfruten con los bichejos que pueblan el lugar.

   Michael Caine (Batman Begins) comentó hace un par de años que ya sólo cogía proyectos si le parecían interesantes y no tanto por los dólares. Unos cuantos días de rodaje de Hawai siempre puede ser un handicap para aceptar un proyecto, y ese debe ser el motivo por el que le vemos haciendo de abuelo explorador. “The Rock” intenta conjugar como hizo en sus orígenes Arnold Schwarzenegger (Terminador, Los Mercenarios) la comedia familiar, “Rompedientes”, con la acción más descontrolada, “Sed de Venganza”. El actor tiene gracia y carisma (véase la escena de la vayas saltarinas) aunque con limitaciones. Por último Vanessa Hudgens (High School Musical) cantando, saltando o disparando la chica es mona…muy mona. Aparte de estos, aparece Luís Guzmán (Booggie Nights) que su personaje se convierte en el mayor lastre de este viaje ya que simple y llanamente: sobra.

   Dejando a parte su escasa complejidad y la manera arbitraria en que suceden los acontecimientos, "Viaje al Centro de la Tierra 2" hará pasar buenos momentos a los terremotos de la casa. A los mayores se les recomienda una ración de palomitas…por si acaso. 

   

   Comedia dramática sobre una mujer incapaz de dejar atrás su pasado, de madurar y más en concreto, de superar su relación con un ex novio. Película con un humor ácido obra de la talentosa guionista y ganadora de un Oscar, Diablo Cody (Juno, United States of Tara) y del director Jason Reitman, (Juno, Up in the Air). En la parte interpretativa nos encontramos con Charlize Theron (Monster, En tierra de hombres, Pactar con el Diablo), Patton Oswalt (United Status os Tara, Ratatouille) y Patrick Wilson (Little Children, El Fantasma de la Ópera, Angels in America).

   Tras ver la película mi idea sobre ella difiere totalmente de las críticas y opiniones que han llegado desde otros lugares. Me explico. Al analizarla nos damos cuenta que funciona si la vamos desmontando parte por parte. Muy buen guión, buena dirección, correctas interpretaciones… entonces ¿qué es lo que falla? Falla la unión de todo esto. Todo correcto, pero la película le falta chispa, no emociona, no es una comedia como para reírse y partirse el pecho pero tampoco un drama como para desgarrarse las venas, es algo intermedio pero descafeinado.

   En mi opinión creo que la culpa la tiene la protagonista, Charlize Theron. Personalmente no me convenció nada en el papel. Veo a Charlize haciendo de Mavis, en ningún momento me atrapa el personaje. No me la creo. No puede estar más fría en un papel tan caliente, lleno de destrucción, de mentira. Es un personaje roto, podrido por dentro que no ve más allá de lo que ven sus ojos, que no aprecia la realidad de la situación o que si la puede llegar a apreciar, la ignora para anteponer sus propios deseos. Una “pequeña” mujer adulta con un cerebro de adolescente inmadura, al igual que los personajes del libro que escribe para su trabajo, también fracasado.

   Sin embargo el que está muy bien es el actor Patton Oswalt, el secundario que soporta al personaje principal, sin el cual, ella no sería nada. Personaje estereotipado, feo, gordo, discapacitado, fracasado desde la universidad, solitario. Esta mezcla hace que los dos se unan para intentar recuperar al amor de Mavis, Buddy. Eso si, esta relación no es amistad, es la pura necesidad de tener a alguien al lado aun sabiendo que ambos sienten pena el uno por el otro. Cabe destacar diálogos entre ellos que son geniales, muy divertidos para el espectador.

   El fracaso esta en todas las facetas de la vida de Mavis. Amor, trabajo, amistad, familia, no se salva nada. Un desperdicio de persona que lo único que tiene es su belleza y aún así le cuesta sacarse partido. Y precisamente eso es lo mejor de la cinta. Todo lo que rodea a la película es el patetismo, todos los personajes salvo Buddy (Patrick Wilson)  y su familia los presenta como perdedores, no se salva nadie, incluso el pueblo entero y la única que ha tenido la oportunidad de salir de este mundo ha sido ella, pero es tan tonta para darse cuenta, que tiene que volver y unirse a esta panda de fracasados.