ESTRENOS 30/03/2012


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CRÍTICA LA CAZARRECOMPENSAS (36%)

ESTRENO 30/03/2012

   Hacía mucho tiempo que una comedia romántica con toques de acción no conseguía aburrirme tanto. Historia basada en una popular serie de intriga de dieciocho libros escrita por Janet Evanovich, en donde Katherine Heigl interpreta a una treintañera de Jersey recién despedida de su trabajo y que ante el cúmulo de deudas decide aceptar un empleo como Cazarrecompensas. Tendrá que dar caza a un ex policía y sospechoso de asesinato que casualmente la sedujo y la dejó tirada en el instituto.

   No he leído los libros pero si son como lo que he visto… dejan mucho que desear. Guión muy flojo, bastante predecible y sin grandes puntos de giro que aporten un poco de tensión a la trama. No añade nada nuevo. Casi todas las escenas ya las hemos visto en películas mucho mejores que esta. Si nos vamos a los personajes tampoco contribuyen mucho, poco elaborados y alguno casi plano. La química entre los protagonistas brilla por su ausencia. En ningún momento te crees lo que estás viendo.

   Segunda película de la directora Julie Ann Robinson. Debutó en la gran pantalla hace dos años con “La Última Canción” y antes hizo sus pinitos dirigiendo varios pilotos de series como “The Middle”, “Weeds” o “Big Love”.

   Para el elenco de actores ha decidido contar con Katherine Heigl (27 Vestidos, La cruda Realidad, Lío Embarazoso) con la que ya trabajó en “Anatomía de Grey” y después de ver la película no deberían de haber salido de allí. En la parte masculina tenemos a Jason O’Mara, conocido por el “exitazo” de “Terra Nova”. Bueno, también pudimos verle en la serie “Hermanos de Sangre” y “La Agencia”.

   Lo único positivo que saco de la película es que dura hora y media  y que aparece en escena Debbie Reynolds la joven Kathy Selden de “Cantando bajo la Lluvia”.

CRISTINA VARO (@Cris_varo)


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CRÍTICA IRA DE TITANES (60%)

ESTRENO 30/03/2012

   Brad Pitt (Seven, Leyendas de Pasión) en la fantástica “Moneyball” decía la siguiente frase que resume la trama de dicha película: “Renovarse o morir”. Esto debe ser lo que pensaron los productores de “Furia de titanes” cuando a pesar de las malas críticas que recibió, tanto por su acabado en 3D como de guión, decidieron dar luz verdes a su secuela. Tal vez los 500 millones que recaudó ayudo a tomar esta decisión. La cuestión es que han renovado a casi todo el equipo técnico, y algún que otro actor, para intentar tapar los agujeros que tenía la primera entrega y ofrecer un producto al menos decente. Louis Leterrier (El increíble Hulk) lo sustituye Jonathan Liebesman (La matanza de Texas: el origen, Invasión a la tierra) y se opta por ceder el guión al debutante Dan Mazeau y David Johnson (La huérfana, The Walking dead) que ofrecen una historia más sencilla pero más directa, mejor enlazada y sobre más entretenida.

   Hades (Ralph Fiennes) está desterrado en el inframundo y los dioses cada vez pierden más fuerza porque la gente ha dejado de creer en ellos. Hades junto a Ares llegan a un acuerdo con Kronos, encerrado en monte Tártaro, para ser liberado y juntos dominar la tierra.

   Estoy de acuerdo. La historia se parece en muchos puntos a la curiosa “Immortals”. Que si los titanes, que si el Tártaro, que si querer liberarlos…totalmente de acuerdo. Pero me gusta que la historia comience prácticamente en el minuto uno y que todo se reduzca a una misión de rescate encabezada por Perseo y una pequeña compañía. En esta entrega las tramas se han reducido prácticamente a una, los personajes también, reduciendo los principales tres o cuatro y sobre todo las diversas escenas donde aparecen extrañas criaturas mitológicas están bien enlazadas e insertadas dentro de la historia al contrario que pasaba en la primera entrega que el empaque era bastante defectuoso. Liebeman es un director que en su último trabajo, Invasión a la tierra, demostró que sabe ofrecer un producto bastante decente en cuanto a espectacularidad/guión se refiere (el año que viene dirigirá la nueva película de las Tortugas Ninja producida por Michael Bay) y aquí vuelve a hacer gala de su buen hacer con escenas como el ataque de las quimeras, cíclopes o el espectacular clímax como broche final cosa que al contrario que en Furia lo despachaba en apenas unos segundos.  
 
   Lo único que a mi me sigue sin funcionar es la caracterización que ofrecen Liam Neeson (Infierno blanco, Sin identidad) como Zeus, Ralph Fiennes (El jardinero fiel, Harry Potter) como Hades, Danny Huston (Hijo de los hombres, Lobezno) como Poseidón y muchísimo menos a Édgar Ramírez (Domino) como Ares todos ellos envueltos en unas barbas y cabellos excesivamente falsos. Gracias a Dios que ahora las armaduras no llevan esa brillantina al estilo "Caballeros del zodiaco". Sobre Sam Worthington (Avatar, Al borde del abismo) creo que “Furia de titanes” fue la respuesta a si este actor puede soportar el peso de una película y esta es su confirmación, desgraciadamente no.

F.J (@Rocabay)
 
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CRÍTICA CUMBRES BORRASCOSAS (61%)

ESTRENO 30/03/2012

   Desde la versión que hizo William Wyler allá por 1939 hasta la última, han pasado más de setenta años y casi diez adaptaciones de por medio de la novela de Emily Brontë, sumando también las distintas series de televisión que se han realizado. En total, demasiados puntos de vista sobre una obra que es perfecta en papel y que, en el caso de Andrea Arnold, no ha sabido captar lo necesario para plasmar la novela. La intensidad de las emociones, el tormento de los personajes, las pasiones descontroladas, los sentimientos llevados al límite. Desde mi punto de vista, se ha quedado solo en la  superficie y esta obra de arte literaria requiere de un puñetazo en las entrañas y de vivir las pasiones más destructivas y de desarrollar violencia y venganza hasta el extremo. Una obra visceral que se ha quedado en la zona más superficial de las emociones. 

   Sin embargo ha captado a la perfección la ambientación, los paisajes, el contexto que les rodea. El mundo de la naturaleza representado en los personajes. El viento, la lluvia, el barro, el frió… reflejando la soledad, el vació del alma, el tormento. La fuerza de los personajes cobra vida en la naturaleza. Pero como digo, no es lo suficientemente profundo.

   Técnicamente la película cuenta con varios aspectos muy bien elaborados como la fotografía y el sonido. Todo lo muestra desde el mayor naturalismo y realismo posible. Aunque esto puede ser un arma de doble filo. Al querer ser lo más fiel a la realidad ha querido plasmar la dureza de la historia en la forma de narrar la película. Montaje simple, escaso y brusco que hace perder la continuidad y la eficacia. Ausencia de música. Se pierde la intensidad dramática que puede aportar una buena banda sonora para este tipo de cine. Aunque si las interpretaciones son buenas no es necesario que sea acompañado por nada. Pero aquí, hubiera venido bien.

   Otra cosa que no me ha gustado y que me ha echado para atrás desde el comienzo es el ratio utilizado. Si estamos acostumbrados a 16:9, la cinta la vemos en 4:3. ¿Por qué? Ni idea. Cosas de directores…

   Andrea Arnold es conocida por su gran trabajo en “Wasp". Cortometraje que le valió un Oscar y más de una veintena de premios. Con “Red Road” y “Fish Tank” se reivindicó en el mundo del largometraje cosechando una larga lista de premios entre los que destacan el Bafta a mejor película Británica (Fish Tank) y el premio del jurado en el Festival de Cannes a mejor dirección.

CRISTINA VARO (@Cris_varo)

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CRÍTICA REC 3: GÉNESIS (65%)

ESTRENO 30/03/2012

   Lo que empezó siendo como un proyecto experimental sin saber siquiera si iba a ver la luz del día ha terminado siendo una tetralogía. Hablo de la saga 100 % patria de nombre “Rec” iniciada en 2007 por dos directores, el valenciano Paco Plaza (Romasanta, El segundo nombre) y el catalán Jaume Balaguero (Los sin nombre, Mientras duermes) que ya habían coincido en 2002 con el documental de “O.T”. La cinta contaba con el atractivo de estar rodado en falso documental (con lo que ello conlleva en puesta en escena, tratamiento de la imagen y el sonido) y además que contaba una historia clásica de infectados-zombis pero en localizaciones de Barcelona lo que conseguía que para nosotros la historia la sitiásemos más cercana. No tardó en llegar una discutida secuela sobre el nuevo rumbo que tomaba la historia (de infectados a poseídos) pero con el mismo aspecto formal y dirigida de nuevo por el mismo tandem. Los americanos hicieron su correspondiente remake “Quarantine” que pese a contar prácticamente la misma historia no era lo mismo ya que la localización era un barrio de Nueva York y la implicación del espectador era bastante menor (a parte claro está de la perdida del factor sorpresa en la puesta en escena). La tercera y cuarta parte serán dirigidas por Paco Plaza y Jaume Balaguero respectivamente y dicen será el punto y final de la saga.

   El guión de “Rec 3: Génesis” viene firmado por el propio Paco Plaza junto a Luiso Berdejo (nominado al Goya por el cortometraje “La Guerra”) que ya participó en el libreto de la primera entrega. Toma como punto de partida una boda cualquiera en un pueblo cualquiera. En este caso la de Clara (Leticia Dolera) y Koldo (Diego Martín). Como dice el dossier de prensa que nos entregaron: “Del día más importante de sus vidas surge el infierno”. Porque de eso va, y me imagino que los que hayan seguido la saga se lo imaginarán, esta entrega.

   ¿Aporta algo nuevo?. A la duda que corre por Internet de si nos encontramos ante una precuela, secuela o una película totalmente independiente a lo hecho anteriormente decir que tiene un poco de todo. Podría funcionar como una película independiente ya que tiene su comienzo, nudo y desenlace (vaya desenlace!) pero también intenta aportar, aunque pasando de pies juntillas, el origen de la enfermedad. Yo sobre este tema aconsejo ir como una película aislada del resto porque pocas son las respuestas que esclarece.

   Los cambios o aportes más importantes que se adopta aquí son: la ruptura espacio/temporal del uso de la cámara y el cambio de género de terror a auto parodia. Ya no nos encontramos con el uso de la cámara en falso reportaje en la hora y media que dura la cinta. Reportaje y cine al 50%. Sobre esto debo comentar que me parece un error perder ese estilo de cámara al hombro en pro de un cine planificado ya que cuando esto ocurre se vuelve la cinta un tanto convencional perdiendo la frescura del fantástico arranque en donde, entre otras cosas, me gusta mucho como justifica por ejemplo el uso de la stedy-cam. El cambio de género que se hace en esta entrega sí que en cambio creo que le viene bien. Tiene terror, tiene sustos, tiene sangre y carne putrefacta (excelente la labor de maquillaje) pero en tono un tanto auto paródico tomando como ejemplo “El Resplandor” o el cine de George A. Romero. Me recordó al proyecto que llevaron a cabo hace un par de años los cineastas Robert Rodríguez (Spy Kids, Desperado) y Quentin Tarantino (Malditos Bastardos, Pulp Fiction) donde homenajeaban a ese cine de serie B que se exhibía en sesión doble. Rodríguez optó en su película por un tono de humor descabellado que parece tomar aquí Paco. De hecho uno pone a una chica con una ametralladora como pierna y otro una novia con sierra mecánica en mano (imagen casi icónica de este título). Lo que también me parece es que al igual que las comparaciones son odiosas en el experimento Rodríguez/Tarantino se desprende que uno es un director de cine y el otro un chaval que juega a hacer cine. Tarantino se lleva la historia a su terreno y ofrece una media hora final impecable y Robert se divierte y tapa con humor las carencias que tiene como director. Paco Plaza no es mal director pero pienso que en líneas generales, dejando a un lado el humor y un par de escenas bastante logradas como el desenlace final o esa de los novios a través de un desagüe, desde el punto de vista de dirección es bastante discreta y se acentúa aún más cuando se pierde el estilo de falso documental. Tengo muchas ganas de ver que hace Jaume Balaguero con su entrega y broche final de la saga, un director que con títulos como Los sin nombre o Mientras duermes ha demostrada ser el David Fincher del thriller en España. Un director que como Tarantino, sabrá llevarse el material a su terreno ofreciendo una excelente traca final. Apuesto por ello.

F.J (@Rocabay)




 


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CRÍTICA LORAX (46%)

ESTRENO 30/03/2012

   “Lorax, en busca de la trúfula perdida” es una parábola basada en el cuento del Dr. Seuss (1904-1991) que habla de la importancia del respeto que los humanos debemos tener con la naturaleza y los seres vivos que lo pueblan. Nos sitúa en una pequeña ciudad en una época en la que los árboles han desaparecido y han sido sustituidos por unos hechos de plástico. Ted está perdidamente enamorado de su vecina Audrey que lo que más desea es ver un árbol de verdad. Decide iniciar una aventura para descubrir que originó la desaparición de los árboles, conseguir uno y tal vez ganarse el corazón de la chica. Director y guionistas de la simpática “Gru, mi villano favorito”, el año que viene su secuela, presentan una historia que no tiene ni “chicha” ni “limonaa” debido a una carencia de ambición no tanto en lo que cuenta sino en como lo cuenta.

   Cada vez que me acerco a ver una cinta de animación temo lo que voy a ver si no es Pixar el que está detrás no tanto a nivel técnico, que son prácticamente insuperables, sino por el tratamiento que se le da a los temas. Pixar estrena una única película al año, a diferencia de otras casas de animación que varían de uno a tres, y eso se nota en los diferentes niveles de lectura que se les puede dar a sus títulos (tal vez “Cars 2” siendo decente es la que más se aleja de esta afirmación) pudiendo gustar tanto a niños como adultos. El principal problema que tiene “Lorax” (voz de Danny DeVito que se ha atrevido a doblarse en italiano, español, alemán y ruso) es que trata un tema muy similar al que ya hizo las fantástica “Wall-E”, la simbiosis que debe existir en humanos y naturaleza. La diferencia entre los dos títulos es que mientras una tiene un guión plagado de pequeños detalles que la hacen una joya, la otra presenta una historia tremenda simple y simplista, con un desarrollo carente de sorpresas y donde se introducen unos personajes secundarios más o menos simpáticos (véase los peces cantarines) que sólo buscan la sonrisa y/o aplauso de los niños pequeños y tapar la falta de carisma que tienen los principales. ¿Es “Lorax” una mala película?. No, en el sentido de que tanto los números musicales (por cierto, tanto el trabajo de John Powell (Como entrenar a tú dragón, Happy Feet 2) y la secuencia que muestra el ascensor al poder de Once-ler es de lo mejor de la cinta donde se hace una crítica bastante inteligente del famoso dicho: si es legal no está mal) como los mencionados animalillos del bosque gustarán a los “peques” (los muy, muy peques) y cumplirá su función de entretenerlos, pero el resto no esperen una cinta con sorpresas, emoción o personajes interesantes porque no los tiene.

   Por último habría que hablar un poco del casting de voces que incluye a Zac Efron (17 otra vez, High School Musical), Ed Helms (Resacón en la Vegas) o Taylor Swift (Los juegos del hambre, Cartas a Julieta) pero la película fue proyectada doblada. El único sería DeVito que sí que se dobla así mismo en español pero su intervención y frases son más bien cortas. Eso si, bravo al acento hispano que destila.

F.J (@Rocabay)



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ESTRENOS 23/03/2012






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CRÍTICA TODOS LOS DÍAS DE MI VIDA (63%)

ESTRENO 23/03/2012

   Michael Sucsy da el salto a la gran pantalla tras haber triunfado en la televisión con la película Grey Gardens (que supuso una nominación al emmy para cada una de sus protagonistas Drew Barrymore y Jessica Lange, aparte de otras 15 nominaciones más). Con un planteamiento mucho más realista que la divertida 50 primeras citas (Peter Segal), la película se basa en una historia real para contar como Paige (McAdams) debido a un accidente de tráfico, pierde la memoria y no recuerda nada de lo vivido con su marido Leo (Tatum), pero si lo anterior a que éste apareciera en su vida.

   El mayor defecto que puedo encontrarle a la cinta es el poco desarrollo que se hace de la trama, y del personaje de Leo. Tanto el propio Sucsy como Jason Katims (Friday night lights) y el dueto de Abby Kohn y Marc Silverstein (Qué les pasa a los hombres, Historias de San Valentín) firman un guion en el que cometen el error de no tratar con equidad a las dos partes implicadas en la película (el desarrollo de Leo es esquemático, escaso e idealista; mientras que el de Paige es todo lo contrario). Aunque la película, en su conjunto, es bastante coherente y lineal, el hecho de no haber tratado en igualdad de condiciones a los dos personajes (es curioso este detalle puesto que todos los guionistas de la película son masculinos...) hace que no sea una apuesta mucho más profunda de lo que han conseguido.

   Tanto Rachael McAdams (Sherlock Holmes, Vuelo nocturno, El diario de Noah) como Channing Tatum (Querido John, Street dance, Memorias de Queens) realizan unas buenas actuaciones y demuestran muy buena química cuando es necesario (su boda en el museo o la secuencia en el taller de esculturas en la que Paige no encuentra la inspiración) y absolutamente ninguna cuando también es necesario para la historia (la fiesta de pedida de la hermana de Paige o cuando ésta se despierta del accidente y no reconoce a Leo). Si además añadimos a dos secundarios de lujo como la maravillosa y rejuvenecida Jessica Lange (El cartero siempre llama dos veces, El cabo del miedo, American Horror Story) y el magnífico Sam Neill (Parque Jurásico, Horizonte final, En la boca del miedo) para ayudarles a llevar la historia, interpretando a los ausentes padres de Paige, está claro que el nivel artístico de la película sobresale por encima del técnico (cosa por otra parte lógica en una producción de estas características).

   Aunque historias como ésta han sido mil veces contadas, nunca dejará de sorprenderme la emotividad, el amor y el dolor que puede haber en ellas. Todos sabemos, más o menos, por donde se va a desarrollar la trama de la película, pero eso no hace que no te hieran los desprecios que Paige hace hacia Leo (mucho más cuando aparece por medio su antiguo novio interpretado por Scott Speedman) y que no comprendas la frustración y el dolor que se puede sentir cuando un ser al que amas con todo tú alma desaparece para convertirse en un completo desconocido.

   Una buena historia de amor, que pone el listón al género masculino muy, muy alto (lo sé porque pertenezco a ese target) y que debería plantearle a mas de una mujer si las elecciones que toman en la vida son las correctas, las que deben ser…o las que su corazón dice que tiene que ser.

ISRAEL LÓPEZ


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CRÍTICA AL BORDE DEL ABISMO (59%)

ESTRENO 23/03/2012

   Llama la atención que a un director como Asger Leth, que sólo tiene el premiado documental “Ghosts of Cité Soleil”, le dejen tomar las riendas de un proyecto como este que sin ser original, tampoco pretende serlo, presenta un cast formado por actores solventes (entiendo solvente como la cualidad de tener en tu lista un conjunto de películas de conocimiento o dominio público o lo que es lo mismo: son famosos y de cierto caché) dentro de una trama de cierta epicidad, jugando bien con los cánones del género y de discurso más o menos interesante. Luego observo que su guionista el venezolano Pablo F. Fenjves le sirve también este título para estrenarse en el largo (curtido eso sí en la pequeña pantalla). Extraemos por tanto de ello, y me sirve como piedra angular de esta crítica, que director/guionista se enfrentan a su ópera prima en el formato de largometraje y les perdonamos las posibles deficiencias que encontremos en su desarrollo sin que ello impida un divertimento bastante digerible.

   Sam Worthington (Avatar, Furia de Titanes, Terminador:Salvation) interpreta a un convicto que consigue huir de la cárcel. Huye a Nueva York y una vez allí se sube a una cornisa del Hotel Roosevelt con la intención de tirarse. Tras llamar la atención de los medios de comunicación, policía y los viandantes descubrimos que sus intenciones van mucho más allá del mero suicidio.

   Si hay alguna ciudad que de bien en cámara esa es Nueva York. Sus avenidas, rascacielos…y sacar partido de ello para hacerlo atractivo no es fácil. Está ahí pero creo que tienes que saber mostrarlo. Ejemplos como la simpática “Con derecho a roce” o el bodrio “Tentación en Manhattan” son muestras de como  no consiguen hacer justicia a la “ciudad que nunca duerme”. Asger rueda una película que a pesar de vérsele el plumero en múltiples ocasiones sabe sacar partido a la principal localización de la cinta, una cornisa, pero también de sus calles, con una realización dinámica en lo que a recursos de cámara se refiere. También es destacable que al menos, aparentemente, se haya rodado de una manera clásica/casera, rodando en localización real en vez de tirar del croma. Ello le da una autenticidad a la cinta e incluso cierto vértigo al espectador. Creo que el espacio está muy bien aprovechado. Lastima que los diálogos no sean ni la mitad de ingeniosos que la estupenda “Última llamada” donde el vis a vis entre Colin Farel y un francotirador que acecha es formidable. Ello pesa en determinadas ocasiones. El guión pese a no aportar mucho en el género si que es cierto que hábilmente se guarda un as en la manga, los que hayan visto el trailer que sepan que se lo han destripado, y abre una trama en paralelo a la principal que da frescura al discurso.

   Sam Worthington ofrece tal vez la única interpretación salvable de su carrera. Sorprende ver aparecer en función a un desaparecido Edward Burns (Salvar al soldado Ryan, 15 minutos) en una papel anecdótico. Ed Harris (Pollock, Camino a la Libertad) en un papel de villano de esos que con lo que te pagan te ayudan a pagar el alquiler del piso pero, eso si, un señor villano. Jamie “Billy Elliot” Bell como el hermano de Worthington acompañado nada más y nada menos que por la hija de “El Puma”, Genesis Rodríguez forman un tandem que sirven a la causa de sus respectivos personajes.

   Película que sirve por y para un divertimento bastante ameno. Una duración bastante ajustadita para una historia ajustadita.

F.J (@Rocabay)

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CRÍTICA EXTRATERRESTRE (67%)

ESTRENO 23/03/2012

   Julio y Julia no se conocen el uno al otro, pero despiertan en la misma cama, después de una borrachera de la que no recuerdan nada. Él se enamora al instante. Ella no. Y por si la situación no fuese lo suficiente incómoda, Julio y Julia se dan cuenta de que un gigantesco OVNI flota sobre la ciudad.

   “Extraterrestre” supone el segundo largometraje del director cántabro conocido anteriormente por “Los Cronocrímenes” y el exitoso cortometraje que fue a los Oscar “7:30 de la mañana”.  Nacho Vigalondo dirige, escribe y produce esta comedia llena de humor absurdo y delirante que provoca en el espectador casi una continua sonrisilla que suele desembocar en carcajada. Diálogos muy vivos, ácidos y al mismo tiempo incoherentes que recuerdan a la época de Vigalondo en “Muchachada Nui”. Desde mi punto de vista los dos personajes que consiguen provocar en el espectador el mayor número de risas son Carlos Areces (Promoción Fantasma, Balada triste de trompeta) y Raúl Cimas (Muchadada Nui, La Hora Chanante) sobre todo éste último. Perfecto personaje de pardillo que va de listo por la vida y que en el momento de la adversidad toma las riendas de la situación y se convierte en un “héroe”. Simplemente genial. Como contrapartida los protagonistas Julián Villagrán (Bajo las estrellas, Azul Oscuro Casi Negro) y Michelle Jenner (No tengas miedo, Los Hombres de Paco) pierden fuerza frente a los secundarios que recogen toda la carga de la película.

   Dejando atrás la comicidad, lo que resalta del film es la capacidad de estos personajes de dejar en un segundo plano la posible invasión de los extraterrestres y centrarse en lo verdaderamente importante para ellos. Las relaciones de amistad y de pareja reflejadas durante toda la cinta. Si vamos a morir o si nos pasa algo dejemos todo bien atado y hagámoslo de la mejor manera. Bueno, esto último es discutible. Pero el mensaje es el de solucionar las cosas que nos quedan pendientes. Y esta es la clave que deja entrever el film.

   En general se trata de un comedia divertida para disfrutar de un buen rato. Eso sí. No os fíes del título. No busquéis una superproducción alienígena por que no lo es. El prota no es el bicho. Una forma curiosa de hacer una peli con poco presupuesto en donde el espectador lo que quiere saber es el desenlace de las tramas personales.

CRISTINA VARO (@Cris_varo)

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CRÍTICA EL PERFECTO DESCONOCIDO (65%)

ESTRENO 23/03/212

   Mark O’Reilly, un misterioso viajero, llega a un pequeño pueblo mallorquín y se instala discretamente en un viejo comercio abandonado. Los vecinos pronto se entusiasmarán creyendo que Mark pretende reabrir el local y ello reanimará el pueblo. Pero un detalle pasa desapercibido para todos: Mark no tiene intención alguna de abrir la tienda. Ni siquiera habla castellano. Las verdaderas intenciones del viajero en la isla se ocultan detrás de una vieja fotografía polaroid, que le ha llevado hasta allí en busca de respuestas.

   Con esta propuesta comienza la incursión, en el mundo del largometraje, el director mallorquín Toni Bestard. Con un amplio curriculum de cortometrajes y varias candidaturas a los Goya, decide llevar las riendas de este proyecto y contar con un actor extranjero para llevar el peso de la cinta. Colm Meaney, actor irlandés, conocido por títulos como “Un ciudadano ejemplar”, “Café Irlandés”, “Con Air”, decide también involucrase en este proyecto desde la producción.

   La película es una fábula sobre la incomunicación entre las personas. En este caso proviene desde la incomprensión lingüística aunque si ahondamos un poco más la mayoría de los personajes sufren esta limitación para comunicarse con otros y no porque no hablen el mismo idioma. La incorporación de este viajero extranjero es la excusa para agravar la situación, pero a la vez, es el impulso perfecto para que la gente que vive en el pueblo vea en él un resquicio de esperanza. Su salvador, por así decirlo. Este hombre goza de una libertad por la cual puede salir de su ciudad, de su país, y viajar a donde le plazca y esa visión es la que atrapa a los jóvenes protagonistas que están “encarcelados” en su pueblo y en sus vidas. Este viajero sacudirá la vida de ambos y les empujará a seguir sus sueños y abandonar sus miedos y todo esto sin pronunciar palabra.

   La película está rodada en Mallorca aunque en la zona más rural y desconocida para el público. Bestard deja atrás el paisaje conocido por todos, turístico, idílico y se adentra en el bosque, en la montaña, para transmitirnos la sensación de aislamiento, soledad, desesperanza de los personajes.

   Dentro del drama que refleja la cinta hay un equilibrio muy bien sostenido con la comedia, que en este caso recae sobre dos personajes que son interpretados por Ana Wagener (Biutiful, La voz Dormida) y Carlos Santos (También la lluvia, Los Hombres de Paco), ambos fantásticos en sus papeles. También destacar la colaboración especial de Vicky Peña.

   Creo que la película es un toque de atención a todos aquellos que piensan que no pueden salir de sus “mundos” y tiene que ser otro el que venga y les abra los ojos. Esa motivación o esperanza que buscamos y encontramos en un viajero cualquiera.

CRISTINA VARO (@Cris_varo)

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CRÍTICA BLANCANIEVES (MIRROR, MIRROR) (70%)

ESTRENO 23/03/2012

   El director Indio Tarsem Singh ha decidido dar una vuelta de tuerca al clásico de los Hermanos Grimm. Desde la versión más conocida de dibujos que hizo Disney en 1937, y que fue ganadora del Oscar de honor y las siete réplicas en miniatura, hasta ahora han pasado muchos años y muchos intentos por rehacer la historia aunque sin éxito. Singh ha conseguido rescatar el cuento de la forma más cómica, divertida y colorida.  Le conocimos debutando en el cine con “La Celda”. Más tarde realizó una película que obtuvo bastante éxito de crítica “The Fall: El sueño de Alexandría”. Este año le hemos podido ver en la dirección de “Inmortals” su primera incursión en el mundo 3D y ahora regresa con Blancanieves (Mirror, Mirror).

   El nexo de unión de todas estas películas y que hace del director su sello de identidad es la colaboración de Eiko Ishioka. El encargado del diseño de vestuario en todos sus flims. Y recalco a este exitoso Japonés (ganador del Oscar por “Drácula de Bram Stoker”) ya que uno de los mejores aspectos que tiene “Blancanieves” es el vestuario. Espectacular el trabajo que ha realizado. Vestidos imposibles, colores explosivos, diseños extravagantes pero a la vez maravillosos.

   La película destaca sobre todo en lo artístico. Ya he recalcado el vestuario, pero otro de los aspectos que llaman la atención positivamente es el diseño de producción, la dirección de arte, los decorados y la fotografía a manos de Brendan Galvin con el que ya trabajó en “Inmortals”. La película es un deleite visual para el espectador y esto ayuda a meterse de lleno en el cuento, en la historia. La fantasía te atrapa desde el minuto uno gracias a unos efectos visuales fantásticos.

   Uno de los grandes reclamos que tenía esta película antes de ser estrenada era la presencia en el reparto de Julia Roberts, ¿Quién no quería verla como la malísima reina que desea se la más bella del reino? Pues si, perfecta elección porque la señorita Roberts está fantástica en este papel. Tiene unos puntazos cómicos muy divertidos sin dejar de ser la más malota de todos.

   A Blancanieves le pone cara la joven Lily Collins , hija del compositor y cantante Phil Collins. Aunque en la pantalla la conocemos por ser la hija de Sandra Bullock en “The Blinde Side” o por ser la compañera sentimental y de batallas de Taylor Lautner en “Abducion” . Con este nuevo papel supone la activación de su carrera y ya se escuchan rumores sobre la posibilidad de que protagonice la nueva saga juvenil basada en los libros de Cassandra Clare “Cazadores de sombras”. En el lado masculino y haciendo de príncipe tenemos al actor Armie Hammer (La Red Social, J.Edgar) y hay que agradecer al director porque podemos disfrutar del cuerpo del joven ya que en la película se pasa más tiempo sin camisa que con ella puesta. Me consta que la Reina también lo agradece…

   Alan Menken pone la música a la cinta y al tema principal interpretado por la actriz Lily Collins “I Believe in Love” (muy pegadizo tengo que decir). Con bastante experiencia en este tipo de películas cuenta con ocho estatuillas. Ha puesto música a “La Sirenita”, “La Bella y la Bestia”, “Aladdin”, Pocahontas”, “Hércules”, “Encantada: La historia de Giselle”, “Enredados”…

   En resumen, es una película para pasar un buen rato, entretenida, con una buena adaptación del guión. Hay mucha comedia con golpes muy graciosos. En general funciona bastante bien. Perfecta para el público infantil, juvenil y para los mayores también, ya que en la mente de todos tenemos la película de dibujos que nos encantó, pero este cambio más divertido tiene su punto.

Atentos:
Interesante el sito de procedencia del Príncipe…
En el final supongo que el director no pudo dejar aparcadas su raíces…

CRISTINA VARO (@Cris_varo)




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ESTRENOS 16/03/2012


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CRÍTICA CONTRABAND (53%)

ESTRENO 16/03/2012

   Remake americano de la cinta de acción “Reyjkavík – Rotterdam” que el director Óskar Jónasson realizó de forma más que solvente en 2008. Como curiosidad, el actor protagonista de aquella, es el director de ésta nueva versión, el islandés Baltasar Kormákur (Verdades ocultas, Inhale).

   En una elección un tanto arriesgada por parte de la producción de la película (en la que figuran el propio Kormákur y Wahlberg) la dirección de éste thriller se le ha dado a un director poco conocido y que aunque en el caso de Verdades ocultas (2005) realizó una curiosa labor, no es un director con el pulso necesario para llevar una película de éstas características a buen puerto (nunca mejor dicho). Su elección está marcada por el hecho de que protagonizó la versión islandesa (consiguiendo una labor interpretativa excelente) y por lo que se le presupone un conocimiento de la historia y el material muy elevado. Esto, sin embargo, no se demuestra en la película que tratamos ya que aunque los problemas de guion que tenía la versión original se han tapado (la frialdad con el tema y los personajes), el pulso narrativo que impregnaba  Reyjkavík – Rotterdam no lo tiene, ni de lejos, Contraband.

   No quiero decir que la película esté mal dirigida (el atraco al furgón es un ejemplo de por donde debería haber ido toda la película), sino que la dirección está mucho más preocupada por la parte visual que por la narrativa (no hay tensión en determinados momentos como el impacto en la peluquería), lo que hace que pierda el bloque del film mucho más de lo que gana (para hacer eso tienes que ser Michael Bay, y no siempre le sale bien).

   Tampoco cuenta con una cosa importantísima que sí que tenía su predecesora, la implicación del actor protagonista. Mark Wahlberg (Boogie Nights, The fighter, Tres reyes), siempre tiene un alto grado de implicación en sus películas y cuando eso no pasa (El incidente) la película lo sufre. Aquí se le ve muchas veces perdido, paseando por las escenas sin un propósito claro y sin una identificación del personaje por su parte (excepto en las secuencias finales no interpreta absolutamente nada). También está en la película Kate Beckinsale (Saga Underworld, Pearl Harbor, Serendipity); Giovanni Ribisi El vuelo del Fénix, Premonición) que calca el papel de 60 segundos pero en el lado moralmente opuesto; Diego Luna (Sólo quiero caminar, Mi nombre es Harvey Milk) haciendo un papel típico, tópico y absurdo; y Ben Foster The mechanic, Alpha Dog) cuya interpretación es de lo mejorcito de la película (su carrera y forma de actuar, aunque sin tanto acierto en la elección de papeles, me recuerda mucho al hoy catapultado Ryan Gosling).

   Es destacable la música de Clinton Shorter, que también compuso la magnífica banda sonora de Distrito 9, y como apoya la narración en momentos puntuales y deja a ésta hablar en otros (muy al estilo de la dupla Mann / Goldenthal en la brillante Heat).

   Una pena que esta película no la haya tenido entre sus manos un MacTiernan, Mann, Friedkin o Frankenheimer porque el resultado que habría podido sacar con este material habría sido brillante.

ISRAEL LÓPEZ


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CRÍTICA ALPS (31%)

ESTRENO 13/04/2012

   Cuando empezamos a ver una película y los diez primeros minutos enganchan sueles pensar: “genial, tiene buena pinta”. Pero que ocurre cuando pasa el tiempo y llegas a la media hora y no te ha enganchado, pues que la das por perdida y entonces comienza una contrarreloj particular para que termine lo antes posible. Cuando una película de hora y media termina por parecerte que dura tres, es que hay un problema.

   Si, esto es lo que me ha pasado viendo “Alps”. Cuarta cinta del director griego Yorgos Lanthimos. Después del éxito conseguido con “Canino”, con la que fue nominada al Oscar a mejor película extranjera, se embarca en este proyecto junto a Efthymis Filippou en el guión, como ya hicieran en la anterior cinta.

   Una enfermera, un conductor de ambulancia, una gimnasta y su entrenador fundan Alps, una compañía especializada en hacerse pasar por personas fallecidas que contratan los propios familiares, amigos o compañeros del difunto.

   Este es el guión que se nos presenta, y este es el resultado: aburrida, sin ritmo, lenta, y desconcertante. Encuadres y desenfoques muy extraños que te sacan de la película (si es que en algún momento se puede llegar a estar dentro). No consigue llegar al espectador en ningún momento. Interpretaciones planas, como el desarrollo de la historia. Apenas hay puntos de giro, y si hay algo que pueda sorprender, no lo hace. De hecho, una de las escenas “más intensas” es muy predecible.

   El director ha hecho de un guión muy bueno una película muy aburrida. La simple idea de ver a gente que se dedica a reemplazar a los muertos en el seno de sus familias es dantesca. Podríamos pensar en esa negación a olvidar a nuestros seres queridos, a dejarlos marchar pero, ¿hasta que punto?. Sustituirles ¿para qué?. Tener a una persona que se viste igual, que se comporta de la misma forma, que dice las mismas frases como si de un guión se tratase y todo a cambio de dinero, un negocio para unos y un consuelo para otros. Si nos paramos a pensar es grotesco. ¿Se puede hacer eso? ¿Se puede vivir así? El tema es muy rico en cuanto a la construcción de la historia, de los personajes.  Plantea muchas preguntas, habla de soledad, de escrúpulos, de la dependencia de las personas, de las necesidades básicas de supervivencia. Pero el problema de la película es que todo esto está mal contado y pierde interés. El guión es una mina de oro, pero no ha sabido explotarlo.

CRISTINA VARO (@Cris_varo)

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CRÍTICA TAN FUERTE, TAN CERCA (85%)

ESTRENO 16/03/2012

   Con “Los Idus de Marzo” la semana pasada y ahora “Tan Fuerte, Tan Cerca” nos terminan de llegar las películas que optaban este año a los principales premios en la última gala de los Oscar. Como nos comentaba nuestro colega, amigo y crítico Israel López en el caso de la George Clooney seis meses hemos tenido que esperar. Con Daldry han sido más generosos y sólo han sido tres. No voy a entrar en reflexiones que no llevan a ningún sitio del estilo “¿Por qué han esperado tanto?” o “¿A que esperaban para estrenarla?”. Solamente diré que la espera ha terminado. Busquen un cine donde proyecten este título, ya que sale con muy pocas copias y yo espero que tengan que rectificar y sacar más, y disfruten de un director que a mi gusto maneja como pocos las interacciones humanas y como ello modifica la realidad en la que viven.

   La nueva cinta del inglés y triplemente nominado Stephen Daldry (Las Horas, El Lector, Billy Elliot) cuenta la historia de Oskar Schell un chaval de nueve años al que le encanta buscar objetos perdidos, experimentar, construir cosas…todo ello apoyado por la tremenda imaginación de su padre. Cuando este último fallece en el atentado de las Torres Gemelas el 11 de septiembre de 2011, una llave que encuentra Oskar por casualidad le abre la oportunidad de vivir una última aventura.

   Tres de las películas que optaban este año al Oscar a mejor película poseen un sutil pero interesante vínculo. Este es el año de los homenajes y viajes de autodescubrimiento. “The Artist” y “Hugo” son claros homenajes que dos directores quieren hacerle a ese fotograma que pasa 24 veces cada segundo. Pero a su vez “Hugo” y “Tan fuerte, tan cerca” comparten un mismo objetivo tomando para ello sendas bien distintas: un niño que a través de un objeto le va a ayudar a conocerse a si mismo, romper con el pasado y seguir adelante. Me parece este apunte una primera reflexión de cómo el cine utiliza géneros y técnicas muy diversas pero chocando en su esencia más pura.

   Thomas Horn hace su debut en esta película con nominación al Globo de Oro incluida. Él es una de las mayores virtudes de la cinta pero a la vez un posible lastre. Una excesiva, aunque en mi opinión necesaria, pedantería rodeada al personaje que encarna. Debo decir que de las dos horas de metraje tardé en entrar en el juego que da su personaje, ponerme a su nivel, entender porque habla como lo hace, porque se expresa y reacciona así…y al final lo conseguí y es una delicia. Entiendo, sobre todo por artículos que leo, que mucha otra gente no entre al juego y se queden en un “Odio a este chaval” o “No me lo creo” pero debo decir a los que lean esto que le den una oportunidad y sobre todo se dejen llevar por este apasionante viaje. Vaticino un gran futuro al joven Horn. Max Von Sydow (El Exorcismo, Shutter Island), éste con nominación pero al Oscar, construye un personaje ambiguo, no sabemos muy bien de donde viene y a donde va aunque pienso que cae un tanto en lo obvio, y toda su interpretación es corporal apoyado por el saber estar y el gesto. Magnifico. Podría estar hablando de todos los personajes que aparecen en pantalla y que de todos daría para unas buenas líneas pero sólo destacaré a Sandra Bullock (Speed, Mientras dormías) que tras ganar el Oscar por “The Blind Side” esta película vuelve a demostrar que la mujer sabe, cuando la dirigen, actuar. Por último, aunque sale más bien poco, Tom Hanks que parece haber enderezado la carrera y olvidarse, al menos un rato, de su Código Da Vinci.

   El ganador del Oscar por “Forrest Gump”, Eric Roth, se hace cargo del guión que adapta la novela de Jonathan Safra Foer. Un historia puesta en manos de un director que utiliza los atentados del 11-S como un mero macguffin para contar una historia concreta en unos personajes concretos. Personajes todos ellos desubicados como ya ocurría en “Las Horas” o “El Lector” y que buscan un lugar en este nuestro mundo. Sensacional el trabajo que hace Claire Simpson (El Jardinero Fiel, Platoon) desmembrando la historia para ir dosificándola, el estupendo uso del piano de Alexandre Desplat  (El Discurso del Rey, El Árbol de la Vida) o la fantástica fotografía de Chris Menges (Los Gritos del Silencio, La Misión).

   No dejen de pasar la oportunidad de ver esta sorpresa audio y visual. Encantador y tierna a partes iguales.

F.J (@Rocabay)


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CRÍTICA LA MONTAÑA RUSA (25%)

ESTRENO 16/03/2012

   Desde que era pequeña Ada siempre ha sentido curiosidad por el tema del sexo. ¿Qué es lo que se siente?, ¿Con qué se puede comparar?. Ya de mayor ha probado con muchos chicos pero el resultado no es tan placentero como todo el mundo le dice que es, hasta que se vuelve a encontrar con dos amigos de la infancia, Lorenzo y Luís, donde surgirá un trío amoroso a base de mentiras e infidelidades.

   El director Emilio Martínez Lázaro (Las 13 Rosas, Carreteras Secundarias) vuelve a reunirse con Alberto San Juan (Mientras Duermes, La Isla Interior), Ernesto Alterio (Días de Fútbol, Amigos) y Verónica Sánchez (Los Serrano, Gordos) intentado repetir el dudoso éxito de la secuela de la estupenda “El Otro Lado de la Cama”, “Los Dos Lados de la Cama”. El problema es que el guión que escribe Lázaro junto a Daniela Féjerman (Semen, A mi madre le gustan las mujeres) es extremadamente simplón con el único aliciente y a la vez poco original de explotar al máximo la complicidad que existe entre Alterio y San Juan que por otro lado ya vimos en “Días de Fútbol” o la mencionada “Los Dos Lados de la cama”. Verónica Sánchez en títulos como “Los Dos lados de la cama” o la propia serie “Los Serrano” mostraba tener serios problemas en la comedia y aquí vuelve a hacer gala de ello. En esta cinta uno se pregunta que se le ha llevado a escoger este guión en el que se limita a continuas escenas de cama que francamente llegan a cansar más que nada por su excesiva reiteración sin que aporten nada o casi nada.

   Creo que el problema más importante radica en el punto de partida que tal y como está planteado no me parece nada interesante. Que una historia de casi dos horas se construya alrededor de una chica que no disfruta del sexo en la cama y que ello le llegue a afectar a su vida personal y todo ello en clave de comedia, pero una comedia que no tiene reparos en intentar tapar que quieren repetir la fórmula antes mencionada me parece de muy mal gusto. Para colmo de los colmos, la película lleva su consabida moralina que viene a decir algo así como: “Lo siento, los sentimientos no se pueden controlar. Me acuesto con quien mi cuerpo me lo pide sin que yo pueda hacer nada para evitarlo”. Venga ya!.

F.J (@Rocabay) 

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