Como pasa el tiempo. Trece años desde que se estrenó “American Pie” de la mano de los hermanos Weitz, curiosamente venían de escribir la cinta de animación “Antz”, donde se nos narraba la historia de un grupo de colegas de instituto que como meta en su último año antes de ir a la universidad se planteaban perder la virginidad. Su presupuesto de apenas 10 millones consiguió recaudar casi 250 y con ello el inicio de una saga, tanto en cine como directo a video, que llega hasta ahora. Su secreto radica tal vez no tanto en su argumento sino en unos personajes muy carismáticos, unos actores que han sabido darles vida de una manera que han llegado fácilmente al público y por supuesto una situaciones que despiertan fácilmente la carcajada que en muchas ocasiones se repite en los sucesivos visionados.

   Esta cuarta entrega, voy a omitir de esta crítica las entregas que han ido directo al video porque ninguno de los actores principales repiten a excepción de Eugene Levy (El jefe, Destino:Woodstock) y no siguen la línea argumental, continua con la trama lógica de la saga. Si en la tercera se nos narraba la boda entre Michelle, encarnada por Alyson Hannigan (Como conocí a vuestra madre), y Jim, al que da vida Jason Biggs (Una novia para dos, Todo lo demás), ahora han pasado los años y la pareja tiene su primer bebe, con una vida más o menos asentada, lo mismo que el resto de personajes. Somos testigos de cómo el destino ha ido tratando a cada uno de ellos, unos personajes cuya situación personal ha cambiado pero que en el fondo siguen siendo los mismos gamberros que conocimos años atrás.

   Cuatro películas para cuatro directores diferentes. Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg (Dos colgados muy fumados: Fuga de Guantánamo) dirigen y se hacen cargo del guión que por primera vez no cuenta con Adam Herz. Una entrega que cuenta con dos atractivos fundamentales: que vuelve a reunir a todo el cast original (recordamos que Mena Suvari (American Beauty) y Chris Klein (Cuando éramos soldados) no participaron en la tercera entrega) y la incógnita de si seguirá teniendo esa dosis de humor escatológico que tanto gusta, entre los que me incluyo, a los seguidores. Para alegría de uno que escribe la película regala buenos momentos para echarse unas risas que en ocasiones es prolongada. Debo admitir que la irreverencia de esta entrega me chocó en situaciones como Jim y la tapa transparente pero lo aplaudo. Es una cinta hecha por y para lo que uno espera y en ese sentido lo consigue.

   ¿Aporta algo American pie: El reecuentro?. El título lo dice todo. Un volverse a encontrar. Tal vez no necesario pero tampoco viene mal ponerse al día y recordar viejas batallitas.

F.J (@Rocabay)
 

   A pesar de haberse quedado sin trabajo, Michel es feliz con Marie-Claire. Hace 30 años que se aman. Sus hijos y sus nietos les miman. Tienen muy buenos amigos. Se enorgullecen de sus luchas políticas y sindicales. Sus conciencias son tan transparentes como sus miradas. Pero su felicidad se hará pedazos al igual que su ventanal, cuando dos hombres armados y enmascarados les atacan, les arrancan los anillos de boda y huyen con las tarjetas de crédito.

   Robert Guédiguian (Marius y Jeannette: un amor en Marsella, Lady Jane) dirige y escribe, junto a Jean-Louis Milesi, este drama inspirado en el poema de Victor Hugo “Les pauvres gens” (Los Pobres). A partir de aquí, nos introduce en el mundo de la lucha sindical, de clases, los nuevos ricos y los nuevos pobres. Las generaciones venideras enfrentadas a la crisis del trabajo en un astillero de un pueblo de pescadores al Oeste de Marsella en L'Estaque.

   Todo comienza con un sorteo que decide el futuro de veinte trabajadores. Los elegidos serán despedidos. Entre los veinte está Michel, padre de familia y abuelo. Tendrá que enfrentarse a esta nueva situación de parado. Coincidiendo con su aniversario de boda, sus hijos y amigos les regalan un viaje a África. Pero todo se ve truncado cuando son victimas de un atraco y les roban todo el dinero junto con los billetes. En medio de todo esto y como trasfondo, destaca la historia de bondad y generosidad de Michel y Marie-Claire con su atracador y su familia. Un ejemplo de solidaridad y humanidad que llega al corazón.

   La película destaca por el equilibrio que mantiene en todos sus aspectos. Un guión muy bien estructurado con momentos muy brillantes y muy emotivos. Unas interpretaciones a la altura de una gran dirección. La mayoría de los actores ya habían trabajado con Guédiguian. Suele contar con los mismos interpretes para sus películas y Ariane Ascaride (Marie-Claire) podemos decir que es su musa, ya que aparece en casi toda la filmografía del director. La película fue galardonada con la Espiga de Plata y el Premio del Público en el Festival de Valladolid.

CRISTINA VARO (@Cris_varo)
 

   En 1998 se estrenaba la cinta del ex Monty Python Terry Gilliam (Brasil, 12 monos)  “Miedo y asco en la Vegas” con Johnny Depp (Eduardo manostijeras, Dead man) y Benicio del Toro (21 gramos, Traffic) en cabeza de cartel y cuyo argumento daba pie, dos tíos puestos de drogas hasta los topes, a las interpretaciones más rocambolescas de ambos actores. Aquel título adaptaba la novela del escritor americano Hunter S. Thompson (1937-2005) y ahora se vuelve a tomar como base otra novela del escritor, de nuevo protagonizado por Depp que suma faceta de productor, para contar la historia de Kemp, escritor alcohólico incapaz de acabar nada que se proponga, que decide aceptar un vacante en “La Estrella”, un diario local de Puerto Rico de los años 60. Comenzará a redactar pequeños artículos a la vez que observa un país que con tal de preservar el idílico “sueño americano” será capaz de aplastar todo lo que se ponga por medio, incluyendo la gente del lugar.

   “Los diarios del ron” es una película donde esa preciada bebida no falta en casi ninguna de las escenas pero no deja resaca. Esto se debe a que la novela que adapta y se encarga de dirigir el inglés Bruce Robinson, tal vez más conocido en su faceta de guionista (nominado al Oscar por Los gritos del silencio e In dreams) que como director (Jennifer 8), es una historia amena, con cierto toques de humor, buenos actores y las hermosísimas calles de Puerto Rico como telón de fondo.

   La trama que va saltando del drama a la comedia y después a la denuncia social se nos narra a través del personaje que encarna Johnny Depp, un actor en mi opinión sobrevalorado sobre todo por el rollo que tiene eso de ser el pupilo de Tim Burton (Big Fish, Sleepy Hollow). Creo que gran parte de sus interpretaciones son demasiado reiterativas y lo único que cambia es el envoltorio. De hecho me gustan más sus trabajos “al natural” como “Donnie Brasco” o “Descubriendo nunca jamás” que muchos de los elogios a otros papeles como la reciente “Alicia en el país de las maravillas”. Por ello el papel que ahora ofrece me gusta, me convence porque sin ser especialmente destacable, al tener que interpretar en casi todas las escenas un hombre borracho no acude a sus famosos gestos a lo “Jack Sparrow” que francamente ya cansan. Esto tan sólo ocurre en una escena, en cuanto la veáis sabréis de que hablo, pero creo que es necesaria y bien planteada. En el resto de la trama está contenido y lo más importante, creíble. El reparto que arropa a Johnny hace que la cinta funcione bien: Aaron Eckhart (El caballero oscuro, el núcleo), Richard Jenkins (The visitor, ¿Bailamos?) o Michael Rispoli (Rounders, Asalto al Pelham 1,2,3). La actriz Amber Heard (Furia ciega, Bienvenidos a Zombieland) dejando a un lago su innegable belleza y su tremendo parecido a Keira Knightley (Piratas del Caribe) creo que ofrece un papel, sino el mejor en su breve carrera, sí que el más maduro a pesar de un pobre desarrollo. Por último Giovanni Ribisi (60 segundos, Salvar al soldado Ryan) que en lo que a estilismo se refiere le está pasando lo contrario que al camaleónico Nicolas Cage. Si este último cambia de look en cada nuevo y esperado trabajo, Ribisi te puede robar el coche, disparar en la Segunda Guerra Mundial o amenazar a Mark Wahlberg que siempre llevará el mismo corte de pelo y afeitado. Debajo de esta fachada creo que la interpretación no varía mucho de uno a otro proyecto. No me malinterpretéis. No me parece mal actor el muchacho, simplemente veo siempre el mismo personaje.

   Ahora en cartelera tenemos “La fría luz del día” rodada prácticamente en su totalidad en la calles de Madrid. Esta cinta es un ejemplo del valor que tiene el director de fotografía a la hora de escoger la localizaciones, la forma de rodarlas e intentar sacar el máximo partido a una ciudad. Mientras que en este título el trabajo de planificación es desastroso, entiendo que también por problemas con los derechos de donde puedes y donde no puedes rodar y que calles quiero que saques y cuales no, en “Los diarios del ron” el trabajo que hace Dariusz Wolski (Prometheus, Sweeney Todd) apoyado por la partitura de Christopher Young (Arrástrame al infierno, Jóvenes prodigiosos) es cuanto menos destacable. Puerto Rico y sus calles son muy cinematográficas al igual que las calles de Madrid siempre y cuando se sepa hacer.

   Una película ligera, amena, tal vez no diferente a lo ya visto pero si con unos actores que hacen que la función no decaiga.

F.J (@Rocabay)

   Momon celebra con su familia el bautizo de su séptimo sobrino. Atrás quedan los atracos a bancos y furgones que tan popular le hicieron en los años 70 al frente de “Los Lioneses”. Pero la aparición tras trece años de huir de la justicia de Serge y su encarcelamiento hará que Momon tenga que escoger entre la estabilidad que su nueva vida le da junto a su mujer e hijo o la vuelta a las armas.

   Olivier Marchal (MR 73, Asuntos pendientes) adapta junto a Edgar Marie el libro que en clave autobiográfica escribe Edmond Vidal, en pantalla le da vida un contundente Gerard Lanvin (El embolao, Mi hijo y yo), siendo el resultado una cinta que llega fácilmente al notable gracias a unos excelentes actores, una buena dosificación de la información a través del fantástico trabajo de Hubert Persat, pocas pero contundentes secuencias de acción made in france (que gran secuencia el rescate de Serge en el hospital) y por supuesto el sello de calidad que últimamente y de manera asombrosa el cine francófono está dotando a sus producciones.

   ¿Hasta que punto puede llegar una amistad?. ¿Qué estás dispuesto uno a perder por ella?. ¿Dónde empieza y acaba el código de honor dentro de la mafia?. La incógnita o gancho con la que juega el guión es saber que relación une el personaje de Serge, interpretado por un siempre solvente Tcheky Karyo (El patriota, El beso del dragón) y Momon y porque esta dispuesto a sacrificar este último todo lo que con esmero ha ido cultivando con tal de que Serge este a salvo. Esto da pie a un inteligente montaje, la cinta gana mucho por elegir este tipo de discurso, que juega entre un hoy y ayer, entre el nacimiento de “Los Lioneses”, sus primeros atracos, su crecimiento y fin narrado todo ello con exquisita puesta en escena, banda sonora y fotografía y la actualidad, con el retiro de su lider a una vida de paz y tranquilidad. Hay que reconocer que la película tiene un ritmo envidiable arrapado por unos personajes cada cual más interesante y juega bien a la carta: nada es lo que parece.

   Inspirada en la vida real de Edmond Vidal, “Los Lioneses” o "Les Lyonnais" es una propuesta aconsejable de un país que no deja de sorprender.

F.J (@Rocabay) 

   Dejemos de lado el típico comentario que se suele escuchar cuando estamos ante una película de estas características: “Vaya, otra más sobre la Guerra Civil española”. Y lo dejamos de lado porque no se trata de eso, menos mal, sino de “Otra película más sobre la Posguerra española” Sí, volvemos a las andadas. Desde las últimas incorporaciones a la videoteca de nuestro país sobre el tema de la posguerra, encontramos “Pan Negro” o “La Voz Dormida” (ambas con un gran número de premios Goya). Y este año ya tenemos la última en unirse a la lista.

  Andalucía, años cincuenta. Enrique y Carmen, que acaban de conocerse, se enamoran profundamente. Carmen consigue que su novio se quede a prestar el servicio militar en un juzgado de la ciudad. Enrique, a la vista de las injusticias que presencia cada día, se da cuenta de que para cambiar el rumbo de las cosas tiene que actuar. Pronto se verá involucrado en arriesgadas acciones que pondrán en peligro su vida y la de sus compañeros.

   Recién estrenada en el festival de Málaga, la nueva creación de Imanol Uribe (La carta Esférica, El viaje de Carol, Días contados) llegará a los cines el próximo 18 de Mayo. El guión corre a cargo de Remedios Crespo Casado, ganadora del VI Premio SGAE de Guión Julio Alejandro en el 2009.

   El primer contraste importante lo encontramos en los actores. Interpretaciones fantásticas por parte de todos menos de los jóvenes protagonistas. Iban Garate y Blanca Suárez carecen de química en escena. No hay una conexión entre ellos, cada uno va por su lado. De hecho, la historia de amor entre los secundarios es más interesante que la principal. El peso de la película recae sobre él (ella casi es secundaria) y no termina de conectar ni convencer, no transmite nada. Da la sensación de que este papel le viene grande. Por otro lado, Karra Elejalde (También la Lluvia, Biutiful) está sublime interpretando a Don Eladio. Carlos Santos (El Perfecto Desconocido, Fuga de Cerebros) es, sin ninguna duda, una de las mejores actuaciones del film. Eduard Fernández lo borda y Ángela Molina, con una colaboración de poco más de cinco minutos, se come la pantalla. El resto de secundarios están acorde con los principales. Personajes intensos, con mucha fuerza, y lo más importante, creíbles. Superan incluso a los protagonistas y aquí tenemos el problema.

   Imanol Uribe realiza un excelente trabajo de dirección acompañado por el director de fotografía Gonzalo F. Berridi, con el que ya trabajó en “El Viaje de Carol”, “Plenilunio” y “Extraños”. Juntos consiguen una composición perfecta que unido al vestuario, diseño de producción y dirección artística, otorgan a la cinta una gran calidad técnica y estética. Mención aparte merece la música de Nuno Malo, fantástica.

   Otro de los errores que puede tener la película lo encontramos en el guión. Tiene momentos muy brillantes pero falla en lo más importante, en el clímax. Se resuelve muy rápido y deja con el siguiente pensamiento: “¿Ya, así termina?, ¿así es como lo soluciona?”. La historia previa te prepara para algo más espectacular. Todo el trabajo de elaboración del guión de la hora y media anterior lo resuelve de forma demasiado simple para lo que se estaba gestando.

   En resumen, las cuatro cosas que en mi opinión no hacen que estemos hablando de una gran película son: las interpretaciones desiguales, el desarrollo de los personajes protagonistas y el guión. Desde mi punto de vista, estamos ante un proyecto que lo tenía todo para ser una muy buena película, pero que se ha quedado a medio camino.

CRISTINA VARO (@Cris_varo)
 

   Kiochi de 12 años, necesita un milagro. Su hermano pequeño vive lejos y quiere que vuelvan a ser una familia. Sus padres se han divorciado. Kiochi vive con su madre y sus abuelos en Kagoshima, mientras que su padre y su hermano están en Fukuoka. Los dos hermanos traman un plan en el que deben participar amigos, parientes y las personas que les rodean. Esperan que haya un milagro.

   Hirokazu  Koreeda dirige, edita y escribe esta historia. La trama gira en torno a la nueva línea de “trenes bala” que se inauguran entre las ciudades de Kagoshima y Hakata y que según los niños, en el momento en el que se crucen a más de 250km por hora, se producirá un milagro y se cumplirán sus deseos. El director japonés nos trae una historia llena de ternura, de ilusión, de esperanza, de la inocencia de unos niños y las ganas de conseguir que sus deseos se hagan realidad. Logra que nos sintamos identificados con la historia, con los personajes, con las aspiraciones de los pequeños. ¿Quién no ha hecho alguna locura para que se cumplieran sus deseos? Volvemos a nuestra infancia, nos hace evocar los sueños que teníamos cuando éramos unos críos y nos pone una sonrisa en la cara cuando los recordamos.

   Los niños son los protagonistas. Siete jóvenes actores que “Kiseki” supone su primera incursión en el mundo del cine. Ninguno de ellos había hecho nada relacionado con este mundo y es sorprendente la calidad, la naturalidad y la profesionalidad que demuestran en la cinta. Los dos hermanos protagonistas, Kiochi y Ryunosuke, lo son en la vida real. Estos dos actores se pasean por la película como si llevaran toda la vida interpretando. Increíble la credibilidad que dan en escena, la comicidad que tiene el pequeño y la capacidad dramática del mayor. Pequeños grandes actores que en su primera película me han dejado con la boca abierta. El resto de los niños son fantásticos. Cada personaje tiene algo que te encandila. Te identificas con ellos y compartes sus alegrías y sus penas. Los otros personajes importantes de la película son los adultos. Los padres, los abuelos, los profesores… Cada grupo se encargará de cuidar de los niños y ayudarles de uno forma u otra para conseguir su objetivo.

   Una película que llega al corazón y nos revuelve los recuerdos que algunos ya teníamos olvidados. Para que nunca dejemos de ser niños, de soñar, de creer que todo es posible o que por lo menos, merece la pena intentarlo.

CRISTINA VARO (@Cris_varo) 

   Cuando veo una película siempre pienso si esa misma película me hubiera gustado hace quince o veinte años. Si el poso que quedase de ella sería tan fuerte como para perdurar o incluso hacerme cambiar algún comportamiento en mi forma de vida por el aprendizaje sacado de ella (el poder de la amistad de Los Goonies, la responsabilidad de todos tus actos de la saga Regreso al futuro, etc….).

   Soul surfer está basada en el caso real de Bethany Hamilton, una joven surfista que fue mordida por un tiburón tigre cuando era una adolescente. Pese a los inconvenientes sociales y obvios, que le supuso haber perdido un miembro, ella se rehace y consigue no sólo superarlo y ser un ejemplo para gente de todo el mundo, sino ser surfista profesional, su sueño de toda la vida.

   Dirige la película el casi debutante Sean McNamara (había dirigido capítulos de series como Jonas o Bratz) y eso le aporta frescura a la cinta, aunque poca originalidad o impacto visual (las escenas de surf están rodadas de una manera correcta, nada que ver con clásicos como El gran miércoles).

   Está protagonizada por una joven Anna Sophia Robb (La montaña embrujada, Un puente hacia Terabithia) la cual le aporta gran fuerza y pasión al personaje, e interpretando a sus padres están unos magníficos Dennis Quaid (Frequency, Traffic), nadie diría que este hombre tiene casi sesenta años; y Helen Hunt (Mejor…imposible, El sabor de la muerte, Naúfrago). Además como curiosidad, aparece en un papel secundario, pero importante Kevin Sorbo (serie Hércules).

   Aun no siendo una gran película, cinematográficamente hablando (que para nada es mala), es una grandísima película por lo que cuenta y trasmite (pese al mensaje procristiano que inunda la película). Es una película que todos, niños sobretodo, deberían ver para mostrarles que en la vida con esfuerzo y sacrificio incluso los mayores reveses de la vida tienen algo positivo.

   Una película que emocionará a todos aquellos que se acerquen a verla y que sin duda dejará un gran poso de optimismo, autosuperación y aprendizaje. Una especial recomendación.

ISRAEL LÓPEZ
 

   A estas alturas a nadie se le escapa que la llamada “saga del hambre”, compuesta por Los juegos del hambre, En llamas y Sinsajo, es un rotundo éxito editorial y cinematográfico a nivel mundial. Es una novela dirigida a un público juvenil/adulto, ávido de las emociones que otras sagas literarias como Crépúsculo o Harry Potter les ha brindado años atrás (y los productores ávidos de un éxito de esas dimensiones). La novela (y la película, obviamente) es de género distópico (sitúa la acción en un mundo futuro imaginario, en oposición a cualquier tipo de sociedad utópica imaginable) y de ciencia ficción, que mezclado con un impredecible triángulo amoroso (como clara referencia a la saga) hace las delicias de los adolescentes…y no tan adolescentes, que han leído la novela y vean la cinta.

   A priori, es chocante la elección de un director como Gary Ross (Seabiscuit, Pleasantville) para trasladar a la pantalla un “producto” como éste. Sobretodo, porque en todos sus trabajos se ha percibido una personalidad que iba mucho más allá de la industria cinematográfica (en catorce años ha dirigido tres películas, aunque también ha producido y escrito en su carrera títulos como El valiente Despereaux y Big) y para nada conforme con los cánones y estándares comunes en Hollywood. Quizá por esta peculiaridad, el resultado de la película es satisfactorio en las formas (excepto por esa dirección sucia de las escenas de acción en las que no te deja apreciar lo que sucede en pantalla), aunque no el fondo.

   Si algo desprenden las novelas de Suzanne Collins es: fuerza y pasión. Viendo la película he tenido la sensación de que aunque tiene mucha fuerza lo que se cuenta (la historia es muy, muy potente) le falta mucha pasión a la hora de narrarlo. La elección de Prim, la hermana de Katniss, como representante del distrito 12 en los juegos del hambre y cómo ésta la sustituye; la relación de la protagonista con la joven Rue (y como termina) o su relación de amor/odio con Peeta….son ejemplos de momentos muy impactantes en la novela, que sin embargo en la película son retratados de una forma más bien distante y fría por Ross.

   Quizá estas percepciones son producidas porque me haya leído los libros y ya tenía formada una idea cinematográfica de lo que debería y cómo debería ser la película sobre esta saga, pero una dirección mucho más “cálida” y cercana, pienso, que hubiera mejorado el resultado final (cinematográficamente hablando, por supuesto, ya que el resultado comercial viendo la recaudación que lleva es prácticamente inmejorable).

   Como adaptación cinematográfica es bastante ejemplar y acertada, ya que Ross con la ayuda de Billy Ray (que con las adaptaciones de El precio de la verdad y La sombra del poder ya demostró un gran talento) y de la propia Collins, ha desentrañado la historia de forma que cupiese en dos horas y veinte de película sin, a priori, dar la sensación en ningún momento de haberse dejado fuera nada importante (y de paso potenciando el papel del presidente Snow en ésta parte de cara a configurar un malo malísimo para la trilogía, un tanto desdibujado en las novelas hasta la parte final) y sin que en ningún momento se tenga la impresión de pesadez.

   La ambientación, la dirección artística y la fotografía de Tom Stern (habitual de Clint Eastwood en películas como Mystic river, Million dollar baby o Gran Torino…) están perfectas en la composición de un futuro apocalíptico en el que predominan los grises y la suciedad en los distritos, frente a la pomposidad y los colores chillones del Capitolio. Pero por otra parte, se produce una exagerada diferencia en la calidad del acabado de los decorados de ambas localizaciones, debido a que mientras que los distritos son recreaciones localizadas en pueblos reales; toda la parte del Capitulo son imágenes hechas mediante ordenador de una ciudad futurista que denota en demasía unos pobres (y probablemente baratos) efectos visuales.

   James Newton Howard (Diamante de sangre, La intérprete) compone una deliciosa partitura que, sin embargo, creo, no está apropiadamente montada en la película. La música no acompaña a la acción en numerosas ocasiones en las que ésta lo pide (sobretodo en los momentos dramáticos), potenciando por otro lado un gran trabajo de edición y montaje de sonido a cargo de Robert Althoff (Malditos bastardos).

   El peso de la película (y mucha culpa de su éxito) recae en un gran elenco de actores, tanto principales como secundarios, en el que se mezclan varias generaciones. Los protagonistas están encarnados por unos magníficos Jennifer Lawrence (nominada al oscar por Winter´s bone y vista en El castor o X-men: nueva generación) y Josh Hutcherson (Viaje al centro de la tierra o Los chicos están bien). Secundándoles (y disfrutando de sus jugosos papeles) están los maravillosos Stanley Tucci (Margin Call, El diablo viste de Prada, La terminal), Woody Harrelson (Bunraku, No es país para viejos, Los blancos no la saben meter), Elizabeth Banks (Los próximos tres días, Barridos por la marea)     y el grandioso Donald Sutherland (MASH, Gente corriente, Klute, Casanova (de Fellini)).

   Aunque las referencias a películas como El señor de las moscas (también basada en una novela, en este caso de William Golding), Perseguido (Running man, película protagonizada por Arnold Schwarzenegger en 1987) y sobre todo Battle Royal (adaptada de una novela que se publicó en 1999) son directas tanto en las novelas como en la película, la mayoría del público potencial de ésta saga no estarán familiarizados con ellos. Y en caso de que lo estén, nunca es un mal momento para pararnos a reflexionar sobre el futuro que nos espera si seguimos actuando como hasta ahora, construyendo puentes hacia la incultura, la incomunicación y primando la involución del individuo, frente al desarrollo cultural e intelectual de la sociedad.

   “La educación es la clave del futuro, la clave del destino del hombre y de su posibilidad de actuar en un mundo mejor” Robert F. Kennedy

ISRAEL LÓPEZ 

   Comedia, drama y romance mezclado al más estilo británico de la mano del director de “Chocolat” y “Las Normas de la Casa de la Sidra”, Lasse Hallström. Junto al guionista ganador del Oscar por “Slumndog Millionaire”, Simon Beaufoy, consiguen llevar a la gran pantalla esta adaptación de la novela de Paul Torday.

   En el reparto encontramos caras conocidas como la de Ewan McGregor (Trainspotting, El Escritor, Moulin Rouge ) Emily Blunt (El Diablo viste de Prada, Destino Oculto), Kristin Scott Thomas (El Paciente Inglés) y el actor egipcio Amr Waked, al que pudimos ver junto a George Clooney en “Syriana”.

   Fred Jones es un científico y experto en la pesca con mosca, que busca hacer realidad el sueño de un jeque obsesionado con esta afición, y cuyo mayor deseo es importar la pesca del salmón a Yemen. Mientras tanto, el gobierno británico necesita una cortina de humo para desviar la atención de un escándalo político y la portavoz del Primer Ministro, Patricia Maxwell, verá en los deseos del jeque, la excusa perfecta..

   El guión, ya de por sí, es bastante surrealista y este hecho es lo que provoca la comicidad en la película. De una premisa alocada y sin fundamento se llega a una historia en donde la fe acaba superando a lo científico y lo posible a lo imposible. Todo cobra realidad en esa pantomima inicial que se había propuesto. Y al igual que lo hace la situación, también la historia personal de los protagonistas. Una historia de amor en medio del desierto y con salmones de por medio. Fred es un científico con un trabajo aburrido, un matrimonio acabado y con pocas ganas de realizar el proyecto. Como buen científico busca lo práctico, los racional, lo objetivo. Harriet, representante del jeque, es lo opuesto a Fred. Viva, alegre, esperanzada y positiva ve este trabajo como una oportunidad de vivir algo mágico. Este choque entre ambos provocará la chispa que encienda su historia de amor. Mención aparte merece Kristin Scott Thomas, cuyo personaje es adictivo, muy divertido a la vez que desagradable. De lo mejor.

   En definitiva, estamos ante una película entretenida, con un humor irónico y con un trasfondo de sátira política.  Divertida comedia que llena de optimismo e ilusión y que trata de hacer ver que hasta las situaciones más imposibles pueden acabar convirtiéndose en realidad.

CRISTINA VARO (@Cris_varo)
 

   Si no está dirigiendo está produciendo o escribiendo. Así es Luc Besson cuyos trabajos más destacables son “León, el profesional” y “El quinto elemento” pero luego tiene otros proyectos interesantes como “Venganza”, “El beso del dragón”, “Desde Paris con amor” o la reciente “Colombiana”. Le gusta apostar por nuevos directores como Pierre Morel (aconsejo ver de este director la fantástica “Distrito 13”) u Olivier Megaton (Transporter 3) pero como en toda apuesta, unas veces aciertas y otras no. Besson en su último trabajo realiza las funciones de producción y escribe el guión junto a los directores James Mather (director de fotografía hasta ahora en cortometrajes y televisión) y Stephen St. Leger siendo el resultado bastante pobre tanto en la idea original como en el desarrollo de la misma. Películas como esta se le pide como mínimo entretener y tras un comienzo que anima a ver la cinta, todo se convierte en un refrito de otros títulos que a continuación expondré.

   Snow es acusado de conspiración y asesinato. Nos encontramos en el año 2078. Washington. La prisión de máxima seguridad MS1 está situada a 50 millas de la tierra y alberga a la escoria más peligrosa de la tierra que se encuentran en un estado de hibernación. Cuando la hija del presidente es tomada como rehén después de que los presos consigan despertar…el único hombre capaz de salvar la situación será Snow.

   En el arranque de la cinta se nos presenta a Snow al que da vida un prácticamente desaparecido Guy Pearce (La maquina del tiempo, Memento) que sin ser lo peor de la cinta llama la atención que prefiera hacer este tipo de papeles que otros del estilo de “L.A Confidencial” que son una gozada. Antihéroe, rudo, sudoroso y sin inmutarse ante la paliza a la que está siendo sometida es el dibujo que se hace de este personaje que me recuerda al John McClane de Willis. La primera secuencia da pie a introducir un flashback con una escena de acción que sin ser muy original esta bien realizada (los efectos especiales parecen sacados de los Minimoys). Pero aquí termina lo bueno y tal vez se deba a que hasta aquí ha llegado la tarea de Luc como director y ahora les da el relevo a la pareja de directores que trabajan sobre un guión que no hace más que evocar otras películas que ya hemos visto. Que si un poco de “Demolition Man” por aquí con el rollo de los presos hibernando, un poquito de la cinta de Stallone “Pánico en el túnel” con el rollo ese de las hélices dando vueltas por las que tiene que pasar Snow rebozado un pelín con “Misión:Imposible”. Un guión que creo podría haber funcionado mejor tomando el camino con el que empieza (el rollo de acusar de algo que no ha cometido y bla, bla, bla…) que sin ser original funciona mejor que el motín en prisión mil veces visto en películas y que además: a) Tiene un villano (Vicent Regan de “300”) y su brother (Joseph Gilgun de “This is England”) que queréis que os diga, me río y b) La forma que tiene de resolver determinadas escenas como esa en la que la chica se está quedando sin oxigeno y el guardaespaldas decide buscar un solución…o el teñido de pelo…no ayudan.

   Lo poco que da esta historia se intenta suplir con el contraste entre el personaje de Guy y la ingenua Emilie interpretada por Maggie Grace (Noche y día, Venganza) que yo la veo un tanto Lost, nunca mejor dicho. Algunos diálogos o situaciones entre ambos pueden hacer esbozar una ligera sonrisa (casi siempre por el lado de Pearce) pero pronto de acaba fruto de alguna situación irrisoria o previsible que se plantea. Aunque no todo va a ser malo ya que en los secundarios tenemos a un autentico peso pesado: el gran Peter Stormare (Asesinato en 8 mm, Minority Report) que siempre es un disfrute verle en pantalla grande.

F.J (@Rocabay)
 

   Ejercicio cuanto menos interesante es lo que nos propone David Trueba (Soldados de Salamina, La buena vida) con su último trabajo presentado el Festival de Sundance y el Festival Internacional de Miami, al encerrar en un baño durante casi dos horas a José Sacristán (Cosas que hacen que la vida valga la pena, Roma) y la ganadora del Goya María Valverde (La flaqueza del bolchevique, A tres metros sobre el cielo) para desnudarlos no sólo física sino verbalmente mientras conversan sobre temas como política, religión, sociedad, costumbres, convencionalismos, la familia, el cine, la literatura, la sexualidad…Una película que se sostiene gracias al buen hacer de Trueba como guionista que construye la historia a través de múltiples temas que van surgiendo de una manera muy natural y fluida.

   No nos equivoquemos al acudir a la sala de cine e intentar ver en esta película una estructura clásica con una historia que empieza y acaba. De ahí que haya querido utilizar la palabra “ejercicio” para “Madrid, 1987”. Es un experimento que puede recordar en su forma al último trabajo de Polanski (El pianista, El escritor) “Un dios salvaje” en el sentido de una única localización con actores encerrados en su interior, pero tal vez lo que hace el director de “Chinatown” tenga una estructura más convencional que lo que ahora vemos. El guión no presenta apenas puntos de giro ni una dirección clara. Se trata de un recital de interpretación puro y duro más cerca del teatro que el cine. Dos generaciones reflexionan sobre temas, unas veces son cosas banales y otras de cierto calado. Como la vida misma. Creo que Sacristán tiene un poder casi hipnótico en sus intervenciones mientras que Valverde como una estudiante algo ingenua e idealista que está acabando periodismo sabe hacerle frente, cosa bastante elogiable y nada fácil.

   Para no caer en la monotonía es interesante la labor de planificación que se ha seguido, buscando constantemente encerrar al actor primero en la propia localización y después dentro del plano. Ya en el arranque vemos un interesante uso del espejo como forma del crear el contracampo, recurso que veremos más veces, y a un José sacristán prácticamente asfixiado en un extremo del encuadre. El actor encerrado dentro de si mismo. Al tener una dirección de arte muy escueta pero práctica se tiende a jugar a la composición más exquisita, foco y fuera de foco. Lo único achacable a la cinta es que unos 80 minutos frente a los 102 que dura hubiera sido de agradecer sobre todo en su recta final pero aún así animo a ver este curioso experimento/ejercicio que curiosamente se estrena el fin de semana de “Battleship” y me hace pensar sobre la expresión: variedad de gustos…

F.J (@Rocabay)
 

   En plena campaña electoral del presidente francés Nicolas Sarkozy llega a los cines un biopic sobre su vida desde el momento en el que es nombrado por el anterior presidente Jacques Chirac, ministro del interior. A partir de ahí, nos irá descubriendo los pasos por los que tuvo que atravesar para ser elegido presidente de la República francesa.

   Atendiendo al momento en el que se estrena, en vez de llamarla “película” podríamos aplicarle el calificativo de campaña de marketing político o reclamo publicitario para sus electores. Aunque viendo la forma en la que queda retratado, también para sus detractores.

   Según parece el propio Sarkozy se negó a ver la cinta. Y no me extraña, no paran de hacer chistes sobre su altura y de recibir improperios por ello y le retratan como un hombre cuya ambición se lleva todo lo que tenga por delante, incluido su matrimonio.

   La historia está contada de forma muy lineal, demasiado plana para un biopic sobre un personaje tan importante de la política mundial. Sin emoción y eso que de por medio, y como trama secundaria, está su divorcio. La actriz que da vida a Cécilia, Florence Pernel es de lo mejor de la película. Sin embargo, el poco parecido del actor con Sarkozy no termina de enganchar, eso sí, el peinado lo clava. 

   Hay un detalle que a mi parecer rompe la poca intensidad que queda de la cinta. En los últimos minutos del film cuando parece que termina se va a negro varias veces y vuelve la imagen con más trama, y así hasta en tres o cuatro ocasiones, lo que alarga el final y lo rompe, haciendo que nos preguntemos si en la próxima irá la vencida.

   Sinceramente no creo que la película tenga una buena taquilla en nuestro país, primero porque no es buena, segundo por que últimamente desde Francia, y en concreto desde el propio presidente, no ha dejado muy buenos comentarios sobre España y tercero porque no creo que interese al público español. Pero bueno, eso ya son conjeturas mías y habrá que esperar a este viernes para ver lo que ocurre.

CRISTINA VARO (@Cris_varo) 
 

   Dos tableros, uno vertical y otro horizontal, que encajan en uno de los extremos. Ambos vienen marcados por número y letras que generan una cuadricula a modo de coordenadas. En el horizontal colocamos una serie de barcos de distintas tamaños. Delante de nosotros un jugador en idénticas condiciones. Comienza la partida. “Batalla Naval”, “Hundir la flota”…estamos hablando del juego de mesa que ha estado en casas de más de 40 países y que ahora da el salto a la gran pantalla, como ya lo hizo hace unos años “Transformers” siendo ambos de la misma casa de juguetes: “Hasbro”, en una película que ha contado con unos vistosos 200 millones de presupuesto. El californiano Peter Berg (Luces de viernes noche, La sombra del reino, Tesoro del Amazonas), que a lo largo de su carrera ha sabido compatibilizar labores de dirección con interpretación (Collateral, Leones por corderos) y guión (Los perdedores, Friday Night Light), mediante el libreto escrito por los hermanos Hoeber (RED, Whiteout) que hacen una adaptación puramente inspiratoria de aquel juego de mesa, dirige una cinta que ofrece espectáculo, con semejante presupuesto la cosa se veía venir, pero un show que intenta emular de manera descarada al cine de Michael Bay (Dos policías rebeldes, La roca) dejando en evidencia que, para bien o para mal, Bay sólo hay uno.

   A través de los hermanos Hooper (Taylor Kitsch que le vimos recientemente en John Carter y ya había trabajado con el director en la serie Friday Night Light y Alexander Skarsgard hijo del actor Stellan y visto en el último trabajo de Von Trier “Melancolía”) se nos narra una nueva invasión alienígena esta vez en su mayoría en alta mar con unas maniobra internacionales de la marina como telón de fondo.

   El guión y tratamiento de personajes es salvable. Unos personajes con un desarrollo que se ve venir en algunos casos (caso de Taylor que pasa de no tomar ningún tipo de responsabilidad a tener que dirigir un equipo. Creo que en esta película se defiende mejor que en la desastrosa “John Carter”) y otros personajes que simplemente están al servicio de la funciona (caso de la cantante venida a actriz Rihanna que es una especie de Vásquez en la mítica “Aliens” o Liam Neeson que se embolsa un dinerito mu majete). Tal vez la cinta peque de un excesivo tiempo en presentar los personajes principales con sus respectivos conflictos (hermano inmaduro pero con dotes de liderazgo, pedir la mano al padre…) hasta que empieza la pirotecnia.

   Un producto de esta envergadura se presupone escenas espectaculares y tampoco entraré mucho ahí porque las tiene aunque con un acabado digital bastante cantoso. Pero tal vez se nota demasiado que no es una película de Berg sino de estudio. El equilibrio entre la acción más contundente y el drama personal es lo que me atrajo del trabajo que hizo el director de “Battleship” con “Hancock”. Con “La sombra del reino” se atreve a dotar a la cinta de un estilo observacional/reportaje que le iba muy bien. Pero ambos títulos cuentan con la producción de Michael Mann (El dilema, El último mohicano) que seguramente le iría aconsejando y guiando. Ahora ya no está y en la cinta no se aprecia la figura del director. Todo lo contrario. Se ha copiado de una manera descarada, demasiado en mi opinión, el estilo bahiniano, que tanto adeptos como detractores tiene, no sólo a nivel de rodar la acción (travelling alrededor del actor, panorámicas con ópticas largas, ralentizaciones que rozan el videoclip…) sino que incluso se utilizan parte de los efectos de sonido robóticos que se vieron la en la cinta de Michael Bay “Transformers”. El problema es que Bay sólo hay uno y no vale con imitar. Hay que tener corazón, personalidad y saber meter al público en la acción y creo que Michael esto lo hace mejor.

   Aun así no engaña y entrega las poderosas imágenes que hemos podido ver en trailers, spot o carteles. Un cocktail de palomitas para este fin de bastante digerible.

F.J (@Rocabay)

   Poco sabemos de la vida de Chae Tae-Sik. Solamente que tiene una pequeña tienda de empeños y su único lazo que le une con el exterior es la relación que mantiene con la pequeña So-mi de 10 años, cuya madre trabaja en una bar de stripptis. Cuando la madre de So comete el error de robar a unos mafiosos, ésta y su hija son secuestradas obligando a Chae a entrar en un peligroso juego organizado por un clan que se dedica al tráfico de órganos.

   A los que vimos la magnifica “Oldboy” de Park Chan-wook, uno de los directores favoritos de Quentin Tarantino y cuyo remake ya se cuece en la manos del irregular Spike Lee (Malcolm X, Plan oculto) descubrimos un país, Corea, que si mantenía al nivel de aquel título podía ofrecernos unos thrillers muy interesantes. Llegaron entonces “The Chaser” o recientemente “The Yellow sea” (en medio de ambas está “I saw the devil” que aunque no la he visto he oído cosas muy buenas) y efectivamente se confirma que aquellas tierras son caldo de cultivo de unos directores/guionista con propuestas muy frescas, ambientadas en localizaciones únicas para las historias que cuentan (ese tipo de construcción de las casas, la disposición de las calles, los puestos ambulantes, las luces de neón….) y con un gran equilibrio entre una acción que rezuma el mejor Scorsese o Mann y buenas interpretaciones de unos actores en fase de descubrimiento.

   “El hombre sin pasado” se estrenó en agosto de 2011 en Corea consiguiendo la escalofriante cifra de 6 millones de espectadores con una historia híbrida entre el “El fuego de la venganza” de Tony Scott (Top gun, Domino) y “León, el profesional” de Luc Besson (El quinto elemento). Lo que destaca por encima de todo es la pequeña Kim Sae-ron (A brand new life) que ya ha sido bautizada como la “Dakota Fanning coreana” y que apoyo rotundamente. La estética de la cinta sigue teniendo ese aroma olboniano y la duración se ajusta a lo que la historia pide (en contrapunto a “The yellow sea” que a pesar de determinadas secuencias brillante sus dos horas y media de metraje no son justificables). Las secuencias de acción son las justas y necesarias, bien rodadas y planificadas y me gustaría destacar la que tiene lugar en el clímax en un sensacional trabajo de montaje y sonido.

   Hay un elemento común en los tres títulos que llevo vistos del cine hecho en Corea, aunque se suele dar en todo el cine asiático, que creo que a un público occidental tal vez le haga no entrar en la película o al menos le cueste lo suyo: las interpretaciones. Observo que tienden a ser bipolar. Esto quiere decir que hay personaje que se presenta de manera hierática y otros todo lo contrario. Unos permanecen toda la cinta sin apenas inmutarse o más bien contenidos y otros son exagerados hasta lo sumo siendo tal vez algo irrisorio. Si hacemos de esto un convencionalismo propio del lugar de origen de la película, siendo esto una interpretación mía, la película gustará más.

   Tercera  película del director de origen argelino Mabrouk El Mechri. Todo lo que fue destacado de su segunda película, JCVD, (la frescura de la propuesta del proyecto, la ágil dirección, el original guion, las escenas de acción, la buena interpretación de alguien como Van Damme…) se han quedado en las escenas eliminadas de ésta, porque lo que es en ésta película que tratamos no están.

   No se entiende como unos actores con el caché y la carrera de Bruce Willis y Sigourney Weaver se prestan a participar en este tipo de proyectos a no ser que fuera por unas breves vacaciones en España para realizar la película (en el caso de Willis probablemente su participación en la película haya sido una semana ya que se limita a cuatro escenas contadas….). Todo el peso de la película recae en un limitado Henry Cavill que se pasa la película corriendo de un lado a otro. Como curiosidad comentar la participación de los españoles Verónica Echegui (completamente desaprovechada) y Óscar Jaenada (pasadísimo como en todos los papeles que hace últimamente).

   Todo el desastre de la pésima calidad de la película es culpa de un guion mal concebido, mal elaborado, mal desarrollado y mal dirigido, obra de Scott Wiper (The condemned) y John Petro y que El Mechri no tiene la capacidad de dotarle de un mínimo de interés o sentido.

   Es una pena que un subproducto de estas características (que quizá en dvd podría tener una salida mucho menos desastrosa) copen las pantallas de los cines y que propuestas mucho más interesantes se queden olvidadas en cajones durante años….

ISRAEL LÓPEZ 

   Esta semana llega a la cartelera española una película de esas que no deja indiferente a nadie. Se nos presenta un drama con tintes de thriller. Curtis Laforche, marido y padre de clase obrera, comienza a experimentar sueños paranormales que en un primer momento atribuye a una esquizofrenia. Haciendo frente a sus mayores miedos construye un refugio para tornados en la patio de su casa. El problema se presenta cuando su paranoia llega a extremos que comienza a asustar a su mujer Samantha y a su hija Hannah y no sabemos si trata de protegerlas de la tormenta o de sí mismo.

   Ganadora en el festival de Cannes del Gran Premio de la Crítica. Premio especial del jurado en el festival de Gijón. Nominada al Gran premio del Jurado de Sundance y ganadora de treinta premios repartidos entre sus dos protagonistas Michael Shannon (Revolutionary Road, Pearl Harbor, Vanilla Sky), y Jessica Chastain (The Help, The Debt, El Arbol de la Vida). Estos son los credenciales de esta fantástica película.

   “Take Shelter” es el segundo proyecto del director Jeff Nichols que ya con su ópera prima “Shotgun Stories” consiguió muy buen resultado. En ambas películas cuenta con la participación de Shannon, su actor fetiche y la fórmula funciona. En la parte femenina decide incorporar a la actriz del momento Jessica Chastain. Recientemente nominada al Oscar por su papel secundario en “The Help”. Esta actriz viene pisando muy fuerte y a sus treinta y un años ha trabajado con los mejores directores y actores. Este año ha tenido en cartel hasta cinco películas y ha recibido casi una treintena de premios. Cuidadito con esta californiana que tiene todas las papeletas para convertirse en la próxima Meryl Streep. 

   Pero vayamos a lo importante, la película. ¿Cómo describirías algo que durante dos horas os provoca miedo, tensión, angustia y que no veis? Nichols juega muy bien las cartas de mantener la incertidumbre ante lo desconocido, entre lo que puede o no puede ser real. No se sabe qué es lo que provoca este estado de alerta constante.

   Hay una dicotomía ente el contenido del guión y la forma de narrar la cinta. Dentro de la calma con la que está contada la película, planos estáticos, poco diálogo, silencios… hay un contraste muy fuerte con la tensión que provoca la trama. Y como resultado nos induce hacia una sensación de intranquilidad que dura hasta el final. Nichols consigue llevarnos de un lado a otro entre una posible enfermedad mental o entre una predicción apocalíptica. Y la forma de hacerlo es muy sutil. Maneja a su gusto al espectador llevándolo por donde quiere y así sorprenderle con el desenlace de la película.

   En este tipo de cintas un ochenta por cierto del éxito reside en la banda sonora, y en esta ocasión David Wingo consigue el efecto perfecto para conseguir la atmósfera indicada.  Los efectos sonoros y visuales están muy bien conseguidos y la unión de estos tres elementos da como resultado más veracidad y mayor facilidad para dejarse envolver en la situación. Las interpretaciones son fantásticas. Estos dos actores se comen la pantalla.

   En resumen. Es una película sorprendente, muy interesante en los temas que plantea, en los miedos personales de los protagonistas y en la forma de reacción ante los problemas. Perfecta para pasar un buen rato en el cine y salir con la sensación de haber visto un peliculón. Si con su segunda película el director ha conseguido este resultado, que no hará con las siguientes. Estaremos atentos.

CRISTINA VARO (@Cris_varo) 

   Comedia francesa en donde reaparecen Jean Dujardin y Michel Hazanavicius tras el éxito de “The Artist”. Pero que esto no os engañe. Se trata de una película de seis episodios y dirigida por ocho directores diferentes entre los que se encuentran los propios actores Dujardin y Gilles Lellouche (Cuenta Atrás, Pequeñas mentiras sin importancia). Como nexo de unión de las seis historias se encuentra la infidelidad de los hombres, la adicción al sexo, las mentiras y engaños hacia sus mujeres y el patetismo de los personajes. En todas ellas los protagonistas son los mismos aunque se enfrentan a situaciones diferentes.

   Esta forma de hacer películas en donde el nexo es la temática y no la trama no convence para nada. Saca al espectador de la película constantemente en cada cambio y no mantiene una línea regular. Se pierde la estructura básica de planteamiento, nudo y desenlace. Si a esto le añadimos que la forma en la que está contado el tema de la infidelidad y de la adicción al sexo deja de ser cómico desde la segunda historia y pasa a ser un drama con poco gusto, quita todas las ganas de seguir viendo la película. Y ya para colmo, la forma de resolver la cinta parece la solución más fácil que han encontrado por no saber como terminar.

   Ocho directores con sus ocho puntos de vista sobre un mismo tema. Creo que es bastante difícil que de ahí salgo algo coherente. Si cada episodio fuese un punto y aparte con actores diferentes se podría salvar, algo parecido a “Paris Je’taime”, pero cada historia pretende ser la continuación de la otra y esa fórmula desde mi perspectiva no funciona.

   La película tiene algunos elementos positivos que se pueden destacar, como la música, las interpretaciones, y algunas historias muy bien contadas. Si las separamos y las analizamos individualmente pueden funcionar. Sobre todo quiero destacar una de ellas dirigida por Emmanuelle Bercot y protagonizada por Dujardin y su mujer (en la vida real) Alexandra Lamy. Este episodio presenta una intensidad dramática y una complicidad entre ambos muy real, perfecta para la situación que narran. De lo mejor de la película.

Cristina Varo (@Cris_varo)