Destacable thriller sobre secuestros y desapariciones, protagonizado por la bella Amanda Seyfried (Mamma mía, In time) en el papel de una joven traumatizada por un secuestro del cual logró escaparse, que marca su día a día y su relación con el entono que le rodea.
Aunque el guion de Allison Burnett (Fama, Rastro oculto, El último asalto) no es nada del otro mundo si que contiene una cosa destacable (casi lo único) y es la ambigüedad de todos los personajes que aparecen en la trama. Ambigüedad, que lejos de resultar pesada y reiterativa hace que se produzca una palpable tensión a lo largo del metraje, lo que aumenta el interés del mismo. También es cierto que es lo único destacable, puesto que todo lo demás es previsible a más no poder y el argumento deja unas lagunas abismales entre los personajes a fin de ayudar a atrapar al espectador en la historia sin importar lo que se quede por medio.
En la creación de la mencionada ambigüedad tiene mucho que ver la dirección del brasileño Heitor Dhalia (A la deriva, Olor a caño) que impregna la película de giros y matices (persecuciones, primeros planos de determinados personajes) que en todo momento buscan engañar al espectador a fin de involucrarle en la historia. Estos tramposos trucos que no me parecen nunca algo a destacar en prácticamente ningún caso, en éste creo que cumplen perfectamente con su función; tensar e interesar al espectador sobre casi todo lo que sucede en pantalla.
Sin ser una estrella, hay que reconocer que la señorita Seyfried tiene algo que traspasa la pantalla y atrapa al espectador. Más allá de su voluptuosa belleza, muestra una fragilidad en determinados momentos que hacen que el espectador enseguida empatice con ella y sus personajes, independientemente de que se traten de vengativas prostitutas (Chlöe), dulces muchachas en busca del amor (Querido John) o estrellas del porno (la próxima Lovelace). En éste caso cumple a la perfección con el papel de chica frágil y traumatizada que busca fuerzas de donde no las tiene para encontrar a su hermana desaparecida.
Sin rastro (Gone) es una entretenida película que nos permite “disfrutar” pasando un “mal rato” durante el transcurso de la misma. Que una película nos distraiga y entretenga en los tiempos que corren es algo que por si sólo, ya merece la pena.
Hace tanto que Nicolas Cage perdió el rumbo, que de verdad me cuesta recordar alguna buena película suya realizada en los últimos cinco años. Repasando su filmografía es complicado acordarse de que es un muy buen actor capaz de hacer papeles complicados y arriesgados como el de Adaptation (El ladrón de orquídeas) o directamente brutales como el de Leaving las Vegas. Quizá las deudas que mantiene con el fisco sean tan acuciantes que debe aceptar cualquier papel que le ofrecen para pagarles y en unos años nos devuelvan al mejor Cage. Mientras tanto seguiremos viéndole en horrendos papeles como éste.
Y en éste caso sorprende mucho más que en otros (En tiempo de brujas, Bangkok Dangerous) la pésima calidad de la película, ya que al frente de ella está alguien a quien hasta el momento consideraba un notable director, Roger Donaldson (Arenas Blancas, Trece días, The bank job). La única explicación posible que le encuentro a que haya decidido “dirigir” ésta película es que también necesitaba conseguir dinero de una manera rápida, y para entender el modo en que la ha “dirigido”, que estaba borracho en su roulotte y daba las indicaciones a su equipo técnico mediante whatsApp.
Lo que tenemos ante nosotros es algo así como una tv-movie de las tres de la tarde, pero sin ningún elemento de interés posible. No porque la idea de Todd Hickey After sex) no sea buena (que enfocada de otra manera, o de alguna manera, quizá hasta hubiera dado para una interesante película) sino porque el guion de Robert Tannen (La apuesta perfecta) es tan absolutamente ridículo, inverosímil y malo que cualquier atisbo de entretenimiento es pura coincidencia.
Además de Cage, también son cómplices de “esto”: la preciosa Jaunary Jones (X-mem, primera generación, Sin identidad), un perdidísmo Guy Pearce (En tierra hostil, Animal Kingdom) y una desaprovechada por el cine Jennifer Carpenter (Sin rastro, Sed de venganza).
A modo de crítica constructiva creo que el día en que alguien le diga a Nicolas Cage que deje de ponerse pelucones extraños, acepte su problema capilar y se rape el pelo, ese día el mundo será un poquito mejor. Y quizá, quien sabe, recupere su juicio y vuelva a hacer películas por las que valga la pena ir a una sala de cine.
Según Wikipedia, la histeria es una enfermedad del útero y, por lo tanto, propia de la mujer, que causa trastorno en el comportamiento psicológico. A lo largo del siglo XIX y desde hacía cerca de mil años atrás, los médicos trataban a sus enfermas por medio de masajes de clítoris hasta que conseguían alcanzar el orgasmo, momento en que aplacaban su mal. A partir de 1880 los casos se fueron multiplicando, convirtiéndose en excesivos…
La directora Tanya Wexler (Ball in the house) dirige un guión de los debutantes Stephen Dyer y Jonah LisaDyer y una idea de Howard Gensler. La historia, básicamente, es una comedia romántica situada en el marco de finales del siglo XIX con la guerra de sexos y por la igualdad entre géneros de por medio y el inventor del vibrador como protagonista de la misma.
Wexler intenta reflejar la diferencia de clases mediante éste peculiar tema y los personajes que aparecen en pantalla, pero el hecho es que el resultado se queda más en intenciones que en otra cosa. La irregularidad del resultado es simplemente porque el desarrollo de la historia está demasiado encorsetado y manido (cumple todos los requisitos de una comedia romántica) como para poder desarrollarse de alguna otra forma (en ningún momento la historia de Gyllenhaal contiene un ápice de interés más allá del hecho de que define claramente a su personaje). Pese a este pequeño defecto, de fondo no de forma, se denota un buen manejo de los decorados (cuidada ambientación por parte de Bill Crutcher (La dama de hierro) y de los espacios por parte de la directora que seguramente se pueda desarrollar en futuros proyectos.
Un gran reparto encabezado por el británico Hugh Dancy (Martha Marcy May Marlene, Conociendo a Jane Austen, Adam) que interpreta al joven doctor Mortimer Granville e inventor del vibrador y la siempre magnífica Maggie Gyllenhaal (Corazón rebelde, Ellas y ellos, Secretary, acompañados de Rupert Everett (Matar a un rey, La boda de mi mejor amigo, La locura del rey Jorge) y Jonathan Pryce (Brazil, Stigmata, Evita) hacen que el humor y la acidez del simple guión ensalce el resultado y haga al espectador sonreír en muchas más situaciones de las que el libreto sugería.
Todos estos ingredientes producen como resultado una agradable comedia, fresca y juguetona, aunque sin un ápice de la presunta sexualidad que debería tener por el tema tratado.
Enésimo intento por parte del director David Gordon Green (Superfumaos, Caballeros, princesas y otras bestias) de seguir la estela de la troupe Apatow (director de Vírgen a los 40, Lío embarazoso y la destacable Hazme Reír; y productor de Supersalidos o La boda de mi mejor amiga) y hacer una comedia en condiciones con tirón en taquilla, obviamente otro intento fallido.
En ésta ocasión Gordon Green intenta homenajear varias películas de los ochenta en las que toda la historia sucede en unas pocas horas y la acción se sitúa en varios puntos de una misma ciudad. El problema es que el director de Supersalidos no es ni Martin Scorsese (Jo, qué noche!!) ni John Hughes (Todo en un día), ni Chris Columbus (Aventuras en la gran ciudad); y por supuesto ni tiene el estilo, ni la sensibilidad ni el oficio de aquellos maestros.
Los debutantes Alessandro Tanaka y Brian Gatewood plantean un guión cargado de tópicos y en el que dejan absolutamente todo el peso de la película en Jonah Hill (Infiltrados en clase, Cyrus). Si bien, éste hace lo que puede con el personaje, no es suficiente para mantener a flote una película cuyo interés por el humor tosco se estira hasta límites absolutamente deleznables.
Ni siquiera el aporte del siempre genial Sam Rockwell (Confesiones de una mente peligrosa, Moon, Asfixia) sirve para que la película cause algún tipo de interés para el público medio. Se trata de un producto realizado para el lucimiento de Hill (actor que ha demostrado su valía interpretativa y que no necesita éste tipo de papeles) que entretendrá a la legión de jovenzuelos que se acerquen al cine y disfruten del humor socarrón.
Durante la primavera de 1999 surge el primer amor entre Camille de 15 años y Sullivan de 19, un amor de verano que parece nunca acabar y donde cada segundo consiste en aprovecharlo al máximo. Todo parece perfecto hasta que Sullivan decide dejar los estudios y viajar a Sudamérica.
La directora francesa Mia Hansen-Love (Aprex Mure Reflexion, Le Pere de Mes Enfants) después de ser premiada en Festivales como el de Cannes o Chicago a lo largo de trayectoria nos presenta esta peculiar historia de amor. Peculiar por el estilo con el que está rodado, más propio de aquel realismo mágico francés o la nouvelle vague que de un cine comercial. Esto se concreta en una presencia casi constante del sonido ambiente que casi ensordece en determinados puntos los propios diálogos de los actores o la no hay carencia de música pero si su aparición en contadas ocasiones y casi siempre intradiegética… así como por no centrarse en la clásica historia de amor juvenil sino centrarse en esos sentimientos que afloran en una persona, en este caso tomando como punto de vista el de una chica, al conocer su primer amor y pensar que su perdida o ausencia es sinónimo de muerte.
El guión que escribe la propia Mia peca tal vez de ser demasiado descriptivo y muy poco analítico. La directora, de una manera totalmente respetable, opta por ni juzgar sino mostrar una situación y sus consecuencias más o menos lógicas. Al no haber trucos ni de cámara ni de audio sino simplemente actor/espectador el resultado final destila cierta frialdad que hará que a más de uno le cueste entrar en materia. El trabajo de actores no es para nada reprochable, en especial la jovencísima Lola Bretón que basa su interpretación en crear un personaje en continua destrucción interior consiguiendo esto en la gran mayoría de los casos a base de silencios y miradas.
Un tipo de cine que reconozco que tal vez no lleguen a un público masivo pero tal vez, tú que lees esta líneas, seas a uno que sí. Te reto.
Relato realista de la vida de una chica cualquiera que tiene la mala suerte de estar en el sitio equivocado a la hora que no debe. Un relato sobre la vida de un México sin ley, la corrupción, los cárteles de la droga, la violencia casi habitual de las calles. Historia de los sueños rotos de Laura. Una joven que intenta salir de una vida de pobreza y miseria y que por caprichos del destino termina dentro de su mayor pesadilla. Laura se dedica a vender ropa para poder sobrevivir. Su aspiración es llegar a ser Miss Baja California, una reina de la belleza. La mala fortuna le hace cambiar sus planes y meterse en una de las bandas terroristas más importantes del país. Un mundo de hombres donde la mujer no es más que un intermediario en sus negocios, un medio para llegar a un fin. La mujer utilizada únicamente como objeto.
Estamos habituados a que películas de este realismo vengan acompañadas de violencia explicita o de escenas brutales, pero en este caso, el director ha decidido omitir y no enseñarnos todo lo que ocurre. Dejar que la imaginación del espectador haga el resto. Y éste es el punto fuerte de la cinta, acertar sugiriendo y no mostrando. No siempre es necesario enseñarlo todo, sugerir puede llegar a ser más eficaz a la hora de llegar al espectador y Gerardo Naranjo ha sabido acertar de lleno.
Película de denuncia social donde la joven Laura representa a la sociedad. La sumisión casi obligada que deben realizar para poder sobrevivir. No se trata de una película sobre el narcotráfico, la violencia, la corrupción. Se trata de la vida de la chica y como la historia está contada a través de sus ojos, vamos haciendo un recorrido por todas las miserias de la ciudad. Todo aparece implícito en la trama de Laura.
Producida por Gael García Bernal, Diego Luna y Germiniano Pineda. El guión comienza a gestarse desde un recorte de periódico donde la noticia de una mujer hermosa que estaba involucrada en un cártel de la droga acapara la atención del director. A partir de ahí Gerardo Naranjo junto a Mauricio Katz desarrollan esta historia y como resultado nace un guión muy sólido, impactante y lleno de tensión.
Todo el peso de la cinta recae en Stephanie Sigman (Laura) y Noé Hernández (Lino). La víctima y el captor. El trabajo de estos dos actores individualmente es muy bueno, pero más aún la complicidad que existe entre ellos. La relación que desarrollan sus personajes es compleja y para que el espectador consiga creérselo es necesario que exista una buena conexión entre ambos y lo consiguen con creces.
La película visualmente es muy fuerte. Tiene planos y secuencias que te mantienen con la respiración en un puño mientras se observa la facilidad con la que se puede comprar a la gente, manipularla, acabar con ella mientras tengas un arma en la mano o un puñado de dólares. Bienvenidos a la realidad de un país llamado México en pleno siglo XXI.
Paolo Sorrentino (Las consecuencias del amor, Il divo) dirige una excesivamente contemplativa película, cuyo punto destacable es la interpretación de Sean Penn (Nunca fuimos ángeles, Hurlyburly, Pena de muerte) como una ex estrella de rock retirada (aburrida y deprimida) en Irlanda que tiene que viajar a Estados Unidos por la enfermedad de su padre.
El propio Sorrentino participa en un guión escrito a cuatro manos junto a Umberto Contarello (Questione di cuore), el cual lleva al espectador por el viaje, físico y mental, del protagonista. Ese viaje da la sensación de que nos hace perder el tiempo ya que Sorrentino se excede demasiado en los detalles que componen la historia olvidándose, paradójicamente, de la historia que tiene que contar (hasta los cincuenta minutos la película no avanza).
Como digo en la introducción, la película merece la pena por ver lo que es capaz de hacer Penn con un papel tan, en principio, goloso y alejado de los cánones interpretativos actuales (más allá de lo extravagante del vestuario y el maquillaje que lleva en casi todos sus planos, las miradas, los giros de voz, el movimiento corporal, etc…hacen que valga la pena el precio de la entrada).
Aunque también es justo destacar que, tanto Sorrentino, dirigiendo, como Luca Bigazzi (No mires atrás, Copia certificada), fotografiando, componen varios momentos absolutamente embriagadores y cautivadores que te hacen soñar con lo que habría pasado si la película hubiera gozado de más contención narrativa (los diez o quince minutos de la película son magistrales) por parte del director.
Allá por finales de los años ochenta un joven Johnny Deep (Benny & Joon, Donnie Brasco, Don Juan DeMarco) se daba a conocer al gran público en la televisión con una serie llamada Jóvenes policías (después de eso las carpetas forradas con su cara, los posters en las revistas femeninas….), para dichas fans decirles que Deep no protagoniza la película.
Veinticinco años después, el nominado al Oscar Jonah Hill (Moneyball, Supersalidos, Funny people) rescata la idea, y la rejuvenece, ayudado por el también actor Michael Bacall (Malditos bastardos, Scott Pilgrim contra el mundo). El resultado, a priori, es interesante y una vez vista la película, decepcionante.
No es decepcionante por el resultado de la película en sí, sino porque tiene unos primeros cincuenta minutos muy, muy bien construidos y conducidos, pero hacia el ecuador de la misma el guión cambia el género y las intenciones de la película, lo que hace que pierda interés y redunde en temas mil veces vistos (y de los que huía hasta ese momento). Pese a esto, Infiltrados en clase es una buena comedia con la que pasar casi dos horas y soltar más de una carcajada.
Está protagonizada por el propio Hill y por Chaning Tatum (La legión del Águila, Step up, Todos los días de mi vida) y ambos demuestran una química magnífica tanto en las escenas físicas (el primer arresto que hacen) como en las más elaboradas (el baile final o la fiesta en su casa). Dicha química es muy probable que no se quede aquí y dé lugar a alguna continuación de ésta película, puesto que ambos son productores (y la recaudación en Usa ha sido más que decente y probablemente supere los 150 millones de dólares).
La película está dirigida por Phil Lord y Chris Miller, ambos debutaron en el 2009 con la estupenda Lluvia de albóndigas (en la que también demostraban el humor ácido y directo de ésta película) y son productores ejecutivos de una de las mejores series cómicas que se han hecho desde Friends, Cómo conocí a vuestra madre.
A sus 42 años, David sigue viviendo como el eterno adolescente. Sortea con el mínimo esfuerzo los escollos de la vida y mantiene una relación complicada con Valerie, una joven policía. Ésta le comunica que está embarazada justo cuando David se encuentra de golpe con su pasado. Fruto de donaciones de esperma veinte años atrás, descubre que es padre de 533 hijos de los cuales 142 quieren conocerle. Han emprendido una acción legal conjunta para que se revele la identidad de su padre biológico de quien hasta entonces sólo conocen su seudónimo: Starbuck.
Película que no puede faltar, a partir de ahora, en la filmografía personal en la sección de cine francés. Lo tiene todo. Es divertida, emotiva, una comedia en su mayoría pero mezclada perfectamente con un poquito de drama. Historia real sacada de los periódicos y que Ken Scott junto al guionista Martin Petit han adaptado de la mejor forma posible. Estamos ante un proyecto que funciona en todos sus elementos: interpretativos, técnicos, de guión y de dirección. De ahí que el conjunto encaje a la perfección.
“Starbuck” supone la segunda película de Ken Scott. Debutó en la dirección con “Les Doigts Croches” y como intérprete ha participado en dos largometrajes y en una serie. Ha hecho varios trabajos como guionista, entre los que destaca “La Vie Aprés L’amour” o “La Grande Séduction”. Entre los premios que ha recibido se encentra el de Mejor Director Novel en el festival de Valladolid por “Starbuck”.
La película desprende ternura oculta en una situación surrealista. Un cariño hacia aquello que no se conoce. Ser padre obligatoriamente de 142 chavales que quieren conocerte. A partir del descubrimiento empieza uno de los momentos más divertidos de la cinta. El contacto con algunos de los hijos. Situaciones muy cómicas y muy dramáticas que hasta dejan asomar alguna que otra lagrimilla. El personaje de David nos lo presenta como el antihéroe. Irresponsable, no se compromete con nada ni con nadie. Su vida es un desastre. Incapaz de llegar a tiempo a su trabajo o de realizarlo sin tener ninguna incidencia. La evolución del personaje está tan bien hecha que nos provoca cariño y afecto y en seguida conectamos con él. El actor que da vida a David es Patrick Huard (Ganador en el festival de Valladolid a Mejor Actor). Polifacético en el mundo audiovisual es cómico, autor, presentador, director y productor.
Pierre Gill es el director de fotografía y realiza un excelente trabajo en el que encontramos planos espectaculares de composición. El colorido de la cinta es igual que la variedad de las camisas del protagonista (genial el vestuario de David).
Otro de los puntos fuertes de la película es lo bien que están hiladas todas las tramas. No queda ningún cabo suelto. Todos los personajes que salen están muy bien construidos y en el caso de los chavales muy estereotipados para causar la comicidad. De todos los 142 que le quieren conocer se nos presentan unos 5 o 6 con los que el espectador empatiza al instante. Lo que también llega a ser emotivo es la unidad de todos ellos, la comunidad que forman, la hermandad, la solidaridad de ayudarse los unos con los otros
En resumen, perfecta para pasar un rato muy agradable, para reírse y para emocionarse.
Película de suspense y venganzas con reminiscencias de la guerra fría, protagonizada por un sexagenario Richard Gere y un cada vez más soso Topher Grace.
El guionista Michael Brandt (El tren de las 3:10, Wanted: se busca) debuta en la dirección de largometrajes con éste film de caza al asesino que contiene cierto tufillo a las películas de los años ochenta protagonizadas por los Segal, Van Damme, Norris…(sin un ápice de crítica, sólo como dato puesto que entre aquellas se encuentran auténticos clásicos). Brandt defrauda, tanto como director, con un trabajo completamente plano y aséptico, pero mucho más como guionista. La intriga ha sido mil veces vista, los personajes están desarrollados (Gere hace lo que puede con lo que le dan, pero es que lo de Grace es absolutamente inverosímil) y para más inri el giro final se deduce en los veinte primeros minutos.
El peso de la película recae en un autómata Gere (creo que es mucho mejor actor de lo que la mayoría de sus películas demuestran) que se limita a pasearse frente a la cámara, en el breve cameo de Martin Sheen y en el poco carisma que manifiesta Topher Grace (en la serie Aquellos maravillosos ´70 es en el único momento en el que ha demostrado algo este chico). Aunque para mí lo más destacable de la película es la preciosa Odette Annable (Monstruoso, La semilla del mal) que pese a tener un papel excesivamente corto siempre contará con mi simpatía por la naturalidad con la afronta todos los personajes (casi como el señor Grace, ejem, ejem…).
Pedro Pérez-Rosado (La mala, Agua con sal) filma su cuarto largometraje realizando una inmersión en la sociedad saharaui. Utilizando el, en principio, corto viaje de una joven al lugar en donde nació para visitar a su hermana, Pérez-Rosado intenta reflejar las distancias económicas y sociales existentes en los campamentos de refugiados a través de la mirada occidental de una adolescente.
El propósito de la cinta es buena (aunque en forma de documental habría surgido un producto más interesante) pero se queda en meras intenciones, puesto que ni el guion conmueve como debería, ni la película refleja nada que se haya podido ver u observar en otras cintas o incluso en los telediarios.
Además, el hecho de que los actores sean semi profesionales no ayuda a una película a la que le cuesta mucho encontrar el sentido, el ritmo y la intención de ser realizada (culpa de un excesivamente simple guion) que se hace repetitiva (los planos con el té, las largas miradas) y excesivamente larga, pese a los 97 minutos de duración.
Entendiendo la intención que han tenido, tanto el equipo artístico como técnico, para hacer ésta película, pero pienso que no sólo ésta es necesaria para realizar una cinta destinada a la distribución comercial (error muy común en nuestro cine).
Benoît Jacquot es un experimentado realizador francés (Villa Amalia) que en esta ocasión nos trae una propuesta diferente sobre la vida de María Antonieta. Lo original de la propuesta es que la historia está contada desde el prisma de una de sus sirvientas (la cual le leía libros para entretenerla) desde un punto de vista completamente aséptico y casi documental, lo cual le otorga a la película un interesante argumento para ser vista.
Ignoro si la originalidad de la propuesta estaba plasmada en la novela de Chantal Thomas en la que el propio Jacquot se ha basado para realizar el guion, pero sin dicha originalidad la historia carece de gancho y no deja de ser una intriga palaciega más que mezcla los sentimientos de los personajes protagonistas situándolos en un determinado contexto histórico.
Katia Wyszkop (Villa Amalia, Potiche. Mujeres al poder) está al frente de un excelente diseño de producción, que junto con Christian Gasc (Las chicas de la 6ª planta) y Valérie Ranchoux que realizan el diseño de vestuario, ayudan a la película a reflejar ese aspecto frío y distante que intenta impregnar Jacquot a toda la película.
Dicha forma de dirección es notable (en ésta película en particular), sobretodo, por el contexto y la historia que se cuenta, puesto que en estos casos lo normal es jugar con los personajes y las subtramas de la historia, para provocar emociones en el espectador y hacer una realización clásica (acentuando la pomposidad de la corte, los colores y la locura del momento que se vivía). Jacquot prefiere que dichas emociones surjan de la fricción de los personajes con los hechos que van sucediendo y de la evolución de éstos hacia un final por todos conocido (lástima que cuando termina la película sea cuando mejora la trama).
Diana Kruger (Troya, Malditos bastardos) como María Antonieta, Léa Seydoux (Midnight in Paris, Malditos bastardos) como la lectora Sidonie y Virginie Ledoyen (El juego de los idiostas, Bosque de sombras) interpretando a la duquesa de Polignac, forman el triángulo amoroso que centraliza la trama, estando perfectas las tres en sus papeles (especialmente Kruger en un idioma que no es el suyo).
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